miércoles, 22 de marzo de 2017

Fallece el saxofonista de jazz, Roger “Buck” Hill

Roger "Buck" Hill  
Roger "Buck" Hill  nació el 13 de febrero de 1927 en Washington, D.C. y falleció el 20 de marzo de 2017 en Greenbelt, Maryland. Saxofonista de jazz, tenor y soprano, empezó a tocar a los 13 años y como profesional en 1943. Durante los cincuenta tocó con Charlie Byrd. Luego tuvo que volver a su trabajo de cartero para mantener a su familia y no fue hasta finales de los setenta que grabaría con su propia formación.   

Con el guitarrista Charlie Byrd grabó "Jazz At The Showboat" (1957), “Byrd's Word!” (1958) y “Byrd in the Wind” (1959). Mientras trabajó como cartero siguió tocando en los clubes de Washington acompañando a los músicos visitantes. 

Roger "Buck" Hill 
Enseñó a los jóvenes del barrio entre los que estaba el batería Billy Hart quien convence al jefe de Steeple Chase para grabarle. El 20 de marzo de 1978 le acompañarían Kenny Barron al piano, Buster Williams al contrabajo y Billy Hart a la batería.  Graban un disco “This Is Buck Hill” (1978) en el que destacan tres temas de Hill, “I'm Aquarius”, “S.M.Y.” y “Two Chord Molly”. Al año siguiente volverían a grabaru n nuevo disco llamado “Scope”.  Después grabaría a su nombre más discos como “Easy to Love” (1981), “layse Europe” (1982), “Impressions” (1983), “Capital Hill” (1989), “The Buck Stops Here” (1990), “I'm Beginning to See the Light” (1991), “Impulse” (1992), “Northsea Festival” (1997), “Uh Huh! Buck Hill Live at Montpelier” (2000), y “Relax” (2006).


En los ochenta también colaboró con Shirley Horn en los trabajos “Close Enough for Love” (1989), “You Won't Forget Me” (1991) y “The Main Ingredient” (1995) , y con Shirley Scott, “Great Scott!” (1991). 

Documento sonoro: 

Roger "Buck" Hill con su cuarteto y el tema "Tokudo"  de Buster Williams.  



Muere Sven-Erik Magnusson de los Sven-Ingvars

Sven-Erik Magnusson
Sven-Erik Magnusson nació el 13 de octubre de 1942 en Slottsbron, Suecia, y falleció el 22 de marzo de 2017. Guitarrista, cantante, compositor, saxofonista y clarinetista formó parte de la banda de rock and roll y “dansband” Sven-Ingvars. Falleció a consecuencia del cáncer que padecía.

Sven-Ingvars fue inicialmente un grupo de baile formado en Slottsbron, Suecia, en 1956 con Sven Svärd (batería), Ingvar Karlsson (guitarra y acordeón), más Sven-Erik Magnusson (voz, guitarra y clarinete).  Después entraron Rune Bergman al bajo y Sven-Olof Petersson al saxo tenor y barítono, y se convirtieron en banda de pop y rock and roll. Grabaron su primer Ep a primeros de los sesenta con el título de “Guitar Boogie”. A mediados de la década fueron muy populares en su país con canciones como "Te' dans me' Karlstatösera", "Ett litet rött paket", "Fröken Fräken", "Börja om från början", "Säj inte nej, säj kanske, kanske, kanske", "Vid din sida", “Önskebrunnen” y muchas otras. Cuando los Beatles visitaron Suecia en 1963, ellos fueron el grupo telonero. 

Sven-Ingvars
Ingvar Karlsson fue el único miembro que siguió en todas las formaciones. En 1977 Sven-Ingvars con Sven-Erik Magnusson grabaron el disco “Åh, Vad Skönt” y en 1987, “Nya Vindar”. En 1990 fueron galardonados con el premio "Dansband of the year", de la categoría de “dansband”, expresión sueca que significa bandas para bailar  jitterbug y el foxtrot con música inspirada en el swing, schlager, country, jazz, y rock. En 2005, Sven-Ingvars recibieron el premio especial del jurado en los Grammis suecos.




Documento sonoro: 

Sven-Ingvars y "Börja Om Fran Början" (1965).

El trío mallorquín Prenatal son punk con mucho ruido y nueces porque quieren y pueden

Portada
El trío mallorquín PreNatal sacaba a finales de 2016 un nuevo álbum con el título genérico de “No ofende quien quiere, sino quien puede”, editado por el sello también balear, Discos Polo.  El enunciado, sonsacado del refranero popular, no solo es un  excelente título para  tan sensacional como excéntrico trabajo,  sino que esconde también una buena fórmula para dilucidar una respuesta esclarecedora  a la controvertida pregunta sobre qué es en realidad el punk. Tras oír las once canciones, la mayoría de las cuales no llega al minuto de duración, al oyente le va quedar muy queda claro que punk es quien puede y no quien quiere. Y los PreNatal, qué duda cabe, nos ofrecen auténticas y demoledoras descargas de punk con trallazos hardcore, humor ácido e ironía políticamente incorrecta, con arreglos demenciales y excesos por doquier.  El resultado es, como ellos mismos apuntan, una “sarta de micro-canciones, sin trampa ni cartón, con mucho ruido y nueces”.  

Trayectoria 

PreNatal. Foto de su facebook
El trío PreNatal se crea en Palma de Mallorca en 2012 alrededor de la figura del veterano bailarín guayaquileño “Tachuela” (Mario Rolando Espinosa), el guitarrista y cantante Jonatán Uría de ascendencia asturiana, conocido por otros proyectos como Monta-Man o los Bélmez y responsable del sello Discos Polo, más el uruguayo Marcelo Víquez a la batería,  pintor, dibujante, escultor y creador de vídeo arte.  Tras grabar varias maquestas que comparten en la red, sacan los discos “Etiqueta negra” (2012), “Sin” (2013), y “Contentos con poco” (2015).    

 

Su nuevo trabajo, titulado “No ofende quien quiere, sino quien puede” se grabó en los estudios Special Forces Rock and Roll de Gin Spectra (Ginés Fernández) en 2016.  A destacar el artwork con un sensacional y divertido dibujo de una mujer con aureola y coletas, en cuya contraportada se aprecian detalles sobre sus órganos genitales que, con el agujero del centro del Cd, adquieren una mayor dimensión. 



Las canciones

Prenatal en directo 
Abren con “nadie va a hacerte daño II” (la primer parte salió en su anterior disco), tema instrumental en el que confluyen una guitarra salvaje acompañada por una batería desaforada. Una sucesión de riffs conectados por la mala leche y fuerza descomunal nos trasporta hasta “la misma piedra”, segundo corte con tajantes momentos de eléctrica y ritmo marcado de percusión. Nos dicen: “Esto me pasa, por confiar en ti”. Le sigue “porc negre”, canción en la que comentan “tenemos que cambiar” con momentos afilados y oscuros de guitarra after punk, sin más pero también sin menos.       


PreNatal en directo
A continuación nos ofrecen “a George” tema igual de descarado en el que “me jode matarte… mejor será darte una larga y mala vida”.  A destacar esa entrada rítmica muy bailable y secuencias de guitarra desgarradas que descargan sobre tus oídos con ataques viscerales de punk rock. Llegamos a la “escopeta”, con su propuesta de hardcore de calidad. Su única y contundente frase es: “déjame el contrato sobre el mueble de las escopetas que por la tarde te lo firmo”. Sensacional.   Llegados al “country club”, disfrutamos de ese tempo marcado con  guitarra de pulsación “tejana” que retruena en el cerebro con paso soberbio dando forma al segundo momento instrumental del disco.  Ipso facto, nos demuestran que “tenía que pasar”, otra exhibición de microcuento de punk minimalista en la que nos anuncian que “una mañana fría llegó” y ya está. Escasos segundo antes de dejar claro de que “en la mesa no se habla ni de droga ni de política”.  Viene al caso porque el protagonista se “aleja de la izquierda, y te acercas a la droga”. Alegato en favor o en contra de lo que prefieras, sin desperdicio alguno, entre riffs imaginativos y ritmo cautivador. Con “lady?” nos topamos con más guitarras agresivas que van tejiendo divertidos e hirientes acordes entre gritos y preguntas que nos llevan hasta el “abismo”.  “Siempre lo mismo”, nos cuentan, “me veo el ombligo y no el corazón” en este tema de influencia hard rock llamado “los niños y las mujeres después”. 

Va finalizando el disco con ese movimiento funk ácido con recitado hip hop. El tema se llama “el ritmo del ji ji (El Fary)” y en él nos explican entre otras expresiones de elevado lirismo marca de la casa: “soy un hombre jaranero y para la fiesta me apunto el primero… me gustan las cuarentonas, las de dieciocho, vestidas y en cuero… Si tuviera dinero me compraría un velero lleno de mujeres guapas con buenas defensas y un cocinero… soy muy bueno en el amor, chiqui chiqui pon, y no paro de funcionar”.  

Reflexión final 

Y eso es todo, amigos. “Eso te vas a llevar, jiji… jajaou”, como dicen en la última de las frases de este fabuloso disco de auténtico punk sin contemplaciones. Me imagino que si eso mismo se vendiera dese algún media especializado como nueva tendencia en literatura “post-indie” de micro-relatos; o si las frases fueran en inglés a cargo de un grupo que edita casetes en, por ejemplo, Denver (Colorado), habría muchos más seguidores de lo vanguardista que se entusiasmarán con el proyecto. Pero ni son yanquis, ni encabezan ningún movimiento arty, ni nada que se le parezca. Son PreNatal, trío de Palma de Mallorca, que no solo pueden sino quieren  hacer punk.  Si te viene a mano, no te pierdas uno de sus aclamados directos y si quieres una copia de tan suculento objeto de coleccionista, al menos para saber dónde coincide cierto agujero con el centro del Cd, pues igual si les escribes, te venden uno y te lo dejan encima del mueble de las escopetas.   

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo.  El viernes 24 de marzo de 2017 actúan (+ info) con Bernie Tenor Ligero en Sabotage (Palma de Malorca). 

lunes, 20 de marzo de 2017

“Come Clear” de The Fingersmiths, un trabajo sincero con la garra rítmica del punk y la musicalidad del pop poderoso

Portada
El nombre genérico de un disco puede obedecer a múltiples factores que surgen tras una decisión muy meditada o son consecuentes con el mero capricho del momento, creando un amplio abanico de razones personales y potencialmente  justificables. En el caso del segundo trabajo de los Fingersmiths, el epígrafe escogido corresponde con el título de la primera canción que abre el álbum editado en 2016 gracias al esfuerzo conjunto de nada menos que 11 sellos: seis de ellos españoles, Sweet Grooves Records, Ghost Highway, Borx Records, Magazine, Devil Records y KOTJ Records, conjuntamente con Dingleberry Records (Alemania), Hovercraft (USA), Monster Zero (Austria), 59SRS (Rusia), y Dead Punx Records (Bélgica). Más allá de esa evidente condición de apertura, se intuye en la sinceridad de la letra de "Come Clear" una necesidad imperante de compartir, de poner en claro las ideas, de plantear una relación verdadera ya sea con la persona amada o con todos los oyentes mediante la garra rítmica del punk rock y la musicalidad del pop poderoso.  Ahora bien, estoy convencido de que si los oyentes pudieran escoger un segundo título para este sensacional álbum a cargo de este quinteto valenciano, optaríamos con unanimidad en destacar el título de la tercera de las canciones, esa “Goose Bumps” porque resume a la perfección la sensación física que vas a experimentar al oír todas y cada una de sus magníficas canciones. 

Trayectoria 

The Fingersmiths. Foto: Sergio Andrés
The Fingersmiths son Edi Cadenas (voz), Rubén Santatecla (Guitarra), Tim Burmeister (guitarra), Vicente López (bajo) y Joan Clausell (batería). Se formaron en Valencia en 2011 como cuarteto con Antonio a la guitarra, Vis al bajo, Juanlu como batería y Edi a la voz principal. Graban su primer disco "The First One, Six Songs", en 2013, con seis canciones.  Al año siguiente, Tim substituye a Antonio,  y al poco se suma al proyecto Rubén.  Su segundo disco,  "Come Clear"  fue grabado y producido en directo en un solo día en los estudios Milensia de Valencia, por Rubén y la banda, y mezclado más masterizado por Vicente Sabater. Los temas son propios, y las letras de Edi más Gisela Hurtado.  El artwork, con esos puños y brazos juntos dando una imagen de cohesión y fuerza, es de Mik Baro. El disco incluye una hoja interior con las letras de las canciones más una foto de la banda a cargo de Sergio Andrés.  Se han prensado 500 copias del LP, de las cuales 300 son en vinilo negro, 100 en rojo y otras 100 en azul.

Las canciones 

The Fingersmiths. Foto de su facebook
El disco empieza con “Come clear”, tema sincero que debes de oír dispuesto a dejarte llevar por esta banda cargada de “high energy”.  Ellos te hablan y tocan para ti desde la honestidad: “Soy un caballero pero no llevo ninguna lanza” pero si unas guitarras poderosas, una sección rítmica consistente y una voz inmejorable, entre cambios armónicos y crescendos espectaculares.  El resultado es una conjunción de riffs y arreglos generosos, con un excelente solo de guitarra, que obedecen a prolíficas referencias pero que se expanden desde un punto de vista propio, ejemplar, “severo, sin miedo”. Le sigue “Through my window”, aguerrido corte de guitarras desaforadas, momento solista incluido que resulta muy emotivo, acompañadas por una sección rítmica que respira con fiereza, y esa voz principal que despega magistralmente para cantarnos lo que ve desde su ventana: “personas perdiendo sus vidas, sus trabajos… personas que tienen sus derechos”.   Nadie debería de olvidar eso que parece tan sencillo y a su vez resulta tan complicado.       

The Fingersmiths. Foto de su facebook
Continuamos tan aguerrido y concienciado álbum con “Goose Bumps”, que arranca con magistral riff de guitarra para absorbernos en un tema que conjuga preceptos de powerpop y punk pop. Una maravillosa canción ideal para esos días inspirados en la que se nos obsequia con una jornada embriagadora para que podamos  llevar a cabo nuestros planes con buenas vibraciones y la piel de gallina. De nuevo, otra aportación a tener muy en cuenta de la guitarra solista más la inmejorable voz principal, en todo momento muy presente. El siguiente corte lleva por título “Sweet Olivia Song”, tema cariñoso dedicado a esa mujer que llena de “amor nuestra vida”. “Un sueño hecho realidad… de la que fluye su sabiduría… todo lo haces me hace sentir alegre… cuando me das rock and roll”.   Musicalmente, descargan las guitarras con enorme pasión agrandando el poderío melódico de un tema sublime que invita a saltar, y a gritar al mundo entero con esa plena satisfacción  al tiempo que enloquecemos mediante otro momento solista de guitarra.    

Llegamos de este modo a “Way to go” en el que nos hablan sobre “el camino a seguir para comenzar una revolución….todos estamos respaldando una causa aunque nadie sabe cómo ha crecido ese sentimiento y para qué es este grito”.  Demoledor tema de punk salvaje, con los componentes precisos para convertirse en un himno coreado en las primeras filas de esa revolución que “todos estamos pensando”. Adquiere una vertiente más oscura y se carga de afilada guitarra descerrajando notas por doquier.   Cierra la cara A “Forgotten and forgot”, otra maravilla de punk acercándose ya al post-punk de raíz ochentera, con un dominio rítmico espeluznante a cargo de bajo y batería, más procedentes guitarras tajantes y esa gran voz principal contándonos una historia sobre la “pequeña y ocupada vida” de un hombre olvidado con todas sus consecuencias.  

The Fingersmiths. Foto de su facebook
La cara B arranca con “Breath on Me”, para sentir el aliento de esa persona especial de la que queremos saber si quiere acompañarnos.  Disparan las guitarras desde el primer compás en esa sensacional mezcla de pop poderoso y resolución punk, avanzando sin titubeos, con entrega descomunal, a la búsqueda de ese estribillo que, con el solo correspondiente de guitarra, logra que todo estalle en secuencias de ritmos desbocados que nos ponen los pelos de punta hasta llegar a un final verdaderamente apoteósico. A continuación nos ofrecen “She never  phoned back”, en la que regresa el desamor como principal fundamento, en forma de esa llamada que esperamos, pero que nunca llega, de esa chica que conocimos una noche de verano. Entonces nos asalta la duda de si tiene el número equivocado, o quizá no quiera en realidad volvernos a ver. La banda avanza de nuevo imperturbable con registro de punk pop aunque nos sorprende con riffs imaginativos y cambios armónicos muy sugerentes. De este modo, logran  agasajarnos con varios patrones en una amplio despliegue de método bien aprehendido y acción a raudales. 
          
El siguiente tema se titula “I Know what you want”, con el ímpetu de quien afronta las rupturas, “la misma vieja canción”,  con las palabras rebotando en la cabeza, sin sentirse un perdedor.   Y así lo transmiten las guitarras en varias voces, riffs fascinantes combinados con acordes agresivos, dando cobertura a la voz principal, arropada por una sección rítmica imparable. Como viene siendo habitual en tan descomunales temas, no falta el lucimiento de la guitarra solista y esos finales tan contundentes.  Y cuando podía parecer que conocíamos todas las estrategias de esta enorme banda, van y nos anonadan con “Please don’t let me drown” y ese irrefutable comienzo, más posterior seguimiento, de bajo y batería con el que nos bombardean tan gratamente desde el primer segundo.  Un tema al que podríamos añadir parafraseando el título: “por favor no dejes de sonar”, aunque en este caso la ayuda solicitada sea otra, en este caso de tipo amoroso hacia una persona a la que no pensamos renunciar. “Te amo tanto y voy a gritarlo”. Un gran tema que muta en otra andanada de guitarras oscuras y solemnes que rugen de forma marcada hasta que desaparecen en la inmensidad del futuro que espera a ese amor complicado.   

The Fingersmiths. Foto de su facebook
Va finalizando el disco con “I can’t do it”, un grito justificado en busca de “una vida mejor para vivirla” expresando esos verdaderos sentimientos que dan sentido a canciones tan cautivadoras como esta en la que confluyen lo mejor del pop irredento y el punk más emotivo.  Fuerza y pasión aunadas con arreglos deslumbrantes, riffs en segundo plano que no pasan desapercibidos, voz principal y guitarra solista en estado de gracia, y batería más bajo manteniendo el tempo sin titubeos, siempre constantes como un metrónomo alocado pero seguro.      

Cierra el álbum “Whimper in the wind”, la última de las maravillas sonoras de este disco, un auténtico lujo para los sentidos, ya sea con el propósito de dejarse llevar por la garra de sus guitarras, el ímpetu de la sección rítmica, o el coraje de su cantante con coros añadidos.  Un tema en el que la letra nos recuerda esas incertidumbres, esos sollozos que se lleva el viento, cuando no tenemos claro dónde ir, sin saber qué hacer, buscando un lugar donde estar.      

Reflexión final 

The Fingersmiths. Foto de su facebook
"Come Clear" de los Fingersmiths es un disco de punk rock perfecto: pensado, estructurado e interpretado como mandan los cánones de varias épocas, desde mitad de los setenta hasta la actualidad pasando por las diferentes escenas de los ochenta y noventa. No faltan matices procedentes del pop más poderoso con el propósito de pulir los detalles más melódicos e incluso resultan muy convincentes, por trabajadas, las consabidas distorsiones ante las que no se dejan llevar innecesariamente evitando las recurrentes cortinas de rabia de otros proyectos similares mucho menos intereantes que el suyo. Los arreglos resultan sublimes porque cuidan todos y cada uno de los detalles, desde la perseverancia impactante de la sección rítmica a cargo de bajo y batería, con esas fascinantes guitarras deleitándonos mediante comedidos solos de antología entre riffs imaginativos, hasta  la poderosa voz principal que establece un registro propio y natural francamente muy enriquecedor. El resultado es cautivador y nos atrevemos a afirmar que obedece a un trabajo de equipo meticuloso durante el que, tanto los detalles solistas como el sonido combinado de toda la banda, está pensado para ponernos, como bien dice el título de uno de sus temas la piel de gallina, altamente seducidos por unas canciones enérgicas, de letras cuidadas, que te ayudarán a vivir mejor esa vida que bien te mereces.         

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquirir una copia en los sellos Sweet Grooves, KOTJ, Devil records, Magazine, Borx Records o Ghost Highway Recordings.  

domingo, 19 de marzo de 2017

Muere Chuck Berry, leyenda del rock and roll

Chuck Berry 
Charles Edward Anderson “Chuck” Berry nació en Saint Louis, Misuri, el 18 de octubre de 1926, estado donde falleció el 18 de marzo de 2017. Leyenda del rock and roll y uno de sus representantes más influyentes de la historia de la música, se le recordará por una larga lista de grandes éxitos como "Maybellene" (1955), "Roll Over Beethoven" (1956), "Rock and Roll Music" (1957) o "Johnny B. Goode" (1958).  Los servicios sanitarios de emergencia recibieron un aviso de emergencia a las 12.40 hora local (las 18.40 hora peninsular española) en la calle Buckner de St. Charles. Cuando llegaron Berry estaba inconsciente. Intentaron reanimarlo sin éxito. Certificaron su muerte a las 13.26 hora local (19.26 hora española peninsular).

Su madre era profesora y su padre contratista y diácono baptista. Tercero de seis hermanos, estudió en la Summer High School, escuela de secundaria para afroamericanos del oeste de Mississippi donde hizo su primera actuación con la versión de "Confessin' the Blues" de Jay McShann. Aprendió a tocar con un libro de guitarra, Nick Manoloff's Guitar Book of Chords, y con la ayuda de sus vecinos y un maestro llamado Ira Harris. En 1944 en un viaje a Kansas City con dos amigos, fue detenido por un delito de robo a mano armada y fueron sentenciados a 10 años de prisión. Berry cumplió tres años en un reformatorio juvenil de Algoa, cerca de Jefferson City. Salió en 1947 y se casó con Themetta Suggs. En 1950 nacería su hija Darlin Ingrid Berry. En ese tiempo trabajaría de conserje, estilista, fotógrafo o carpintero, sin dejar la música.

Chuck Berry 
Ya en 1953 entró en la banda de R&B Sir John Trio, liderada por el pianista Johnnie Johnson, que con el tiempo se llamaría Chuck Berry Combo. Dos años contactaría con Chess Records para grabar su primer disco y preparó "Ida May" (versión de la canción de country "Ida Red"), y un tema de blues "Wee Wee Hours".  En julio de 1955 lanzaron el sencillo "Maybellene", cuya base es el ritmo de "Ida May". El sencillo vendió más de un millón de copias. La mayoría de las grabaciones con Chess Records, las hizo acompañado por el pianista Johnnie Johnson, el productor de discos Willie Dixon al bajo, Fred Below a la batería y él a la guitarra así como cantando.

Apareció en la película “Rock, Rock, Rock” (1955), donde canta "You Can't Catch Me", y le siguieron sencillos con "Thirty Days", "No Money Down" y "Too Much Monkey Business".  A finales del mes de junio de 1956 sacó "Roll Over Beethoven" y después "School Days", con la que mantuvo también los primeros puestos en las listas llegando a las inglesas.  Ya en 1957 se edita su primer Lp “After School Session”, aperece en la película “Mister Rock and Roll”, participa en una gira nacional “Biggest Show of Stars, y saca el tema "Rock and Roll Music". Al año siguiente salen sus grandes éxitos "Sweet Little Sixteen"  y el mítico "Johnny B. Goode", canción inspirada en su compañero de banda Johnnie Johnson. Berry también aparecería en la película “Go, Johnny Go!” (1959) interpretando "Johnny B. Goode", "Memphis Tennessee" y "Little Queenie".

Chuck Berry 
En 1959 conoció a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti en Juárez (Texas) quien le dijo que tenía 21 años cuando en realidad tenía 14. Le ofreció trabajo en su club Bandstand, después fue detenida por ejercer la prostitución y Berry, de paso, también por infringir la ley de  "transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales". Fue condenado a cinco años de prisión, que pasaron a tres, y una multa de 5000 dólares. Salió en octubre de 1963. Al año siguiente sacó  "Nadine", "No Particular Place to Go", "You Never Can Tell" y "Promised Land".  Le siguió un disco con Bo Diddley, titulado “Two Great Guitars”. Y en 1965 su exitoso "Dear Dad", que fue la última canción de Berry en entrar en lo alto de las listas en unos siete años. Al año siguiente firmó con la compañía discográfica Mercury Records. Sacó más discos incluido uno en directo “Live at the Fillmore Auditorium” acompañado por la  Steve Miller Band.


Chuck Berry 
Ya en los setenta volvió a Chess con el disco “Back Home”. En 1972 sacó "My Ding-a-Ling", con el que volvería a lo más alto. Y tras alguna que otra polémica por su contenido, editaría en 1975 un álbum de título homónimo tras el que firmó con Atco Records en 1979 y su último disco hasta el momento, “Rock It”.  Chucck Berry siguió tocando, fue invitado a la Casa Blanca, tuvo problemas con la ley por evasión de impuestos. A finales de los ochenta abrió un restaurant  en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air.  En octubre de 2016, durante la celebración de su 90º cumpleaños, Chuck Berry anunció el lanzamiento de su nuevo disco, previsto para este 2017, con temas nuevos en 38 años y con sus hijos formando parte de la banda. 

Documento sonoro: 

En 1958, con el "Johnny B. Goode", quizá el tema más estelar del rock and roll con uno de los riffs más influyentes de toda la historia, a cargo de todo un maestro que lamentablemente nos deja.   


viernes, 17 de marzo de 2017

Fallece Maxx Kidd, cantante, compositor y productor de Go-Go

Maxx Kidd
Carl Lomax  “Maxx” Kidd nació  el 18 de agosto de 1941 en West Virginia y falleció el 13 de marzo de 2017 en Chevy Chase, Maryland. Cantante, compositor, y productor, se le recordará principalmente por su contribución a la llamada música Go-go, mezcla de funk, rhythm and blues y hip-hop, que tuvo su época dorada desde mediados de los sesenta y setenta en el área de Washington DC. Formó parte de la banda de soul The Enjoyables y produjo así como compuso para otros combos como Chuck Brown and the Soul Searchers.

Kidd creció  en Virginia Occidental y conoció a Nat "King" Cole " en un club nocturno propiedad de su padre. En 1960 empezó su carrera musical  cuando se trasladó a Washington, DC tras un período en el ejército.  Fue allí donde Kidd aprovechó su etapa anterior de cantante de Calypso para convertirse en miembro de un grupo local llamado The Enjoyables, banda de soul en el que estuvieron  Keni Lewis, Sidney Hall, James Johnson, William Britton, y Gerald Richardson. Grabaron un par de singles con los temas “Push A Little Harder” y “Shame” más “I'll Take You Back”. 
 
Trabajó de productor con los  Curtom Records de Curtis Mayfield , donde colaboró ​​con artistas como Jerry Butler , Gene Chandler y Chuck Brown and the Soul Searchers .  Dos éxitos de R&B de Brown, "Blow Your Whistle" y "We Need Some Money" están entre las producciones más conocidas de Kidd.   Kidd desempeñó un papel muy importante en la producción y apoyo del llamado sonido “go-go”, trabajando no solo con el mencionado Brown & The Soul Searchers, sino también con Trouble Funk y EU (Experience Unlimited) .
 

Maxx Kidd

Fue también  productor de la  película de 1986 “Good to Go”, un thriller policial que protagonizó Art Garfunkel con la escena go-go de DC como telón musical de fondo. Kidd coprodujo la banda sonora de la película, con Chuck Brown, Trouble Funk, EU, Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, Ini Kamoze y Redds & the Boys (de los que formó parte Kidd). Creó también una discográfica propia TTED Records, y se convirtió en un promotor colaborando con O'Jays , Temptations, Lou Rawls , Van McCoy , Johnnie Taylor y Shalamar . 

Documento sonoro: 

"Shane", es un tema de Kidd que compuso, grabó y produjo con  The Enjoyables.
 

Otro de los temas de Kidd, "Blow Your Whistle" a cargo de Chuck Brown and the Soul Searchers.


Muere el armonicista James Cotton

James Cotton
James Henry Cotton nació el 1 de julio de 1935 en Tunica, Mississippi, y falleció el 16 de marzo de  2017 en Austin, Texas, a consecuencia de la neumonía que padecía según indicó su mánager. Prestigioso músico de blues, intérprete de armónica y cantante,  tuvo una larga carrera musical que abarca seis décadas durante la que  formó parte de las bandas de Howlin’Wolf  y Muddy Waters.  Hizo sus primeras grabaciones en Memphis para Sun Records, bajo la dirección de Sam Phillips, y creó sus propias formaciones a partir de mediados de los sesenta como el Jimmy Cotton Blues Quartet. 

Creció trabajando en una plantación de algodón en Mississippi y quedó huérfano de padre a los nueve años. Por entonces ya tocaba la armónica que su madre le había conseguido.  Tras oír a Sonny Boy Williamson II en la radio, un tío le llevó a West Elena (Arkansas) donde le conoció y tocó en su banda hasta que Williamson les dejó para trasladarse a Milwaukee, Wisconsin.  También empezó tocando la batería.  

A principios de los cincuenta tocó en la banda de Howlin’Wolf.  En 1953 grabó para Sun records y su primer single contenía el tema "Cotton Crop Blues", con un solo de guitarra de Pat Hare. Alrededor de 1955 comenzó a tocar con la banda de Muddy Waters temas emblemáticos como “Got My Mojo Working"  y "She's Nineteen Years Old", aunque no en las grabaciones originales. Su primera grabación conjunta fue en 1957 y alternó con Little Walter hasta el final de la década. 

James Cotton



En 1965 formó el Jimmy Cotton Blues Quartet, con Otis Spann en el piano, para grabar entre conciertos con la banda de Waters. Sus actuaciones fueron grabadas por el productor Samuel Charters en el volumen dos de la grabación para Vanguard “Chicago / The Blues / Today!”. Tras abandonar la banda de Waters en 1966, Cotton viajó con Janis Joplin para abrir en sus giras y creó la James Cotton Band  en 1967.  Se ganó la admiración de los grupos psicodélicos de finales de los sesenta, y colaboró con otros grandes como Led Zeppelin.  

James Cotton
En la década de los setenta, Cotton grabó varios álbumes para Buddah Records. Interpretó la armónica en el álbum de Waters ganador de un Grammy en 1977 “Hard Again”, producido por Johnny Winter. En la década de los ochenta grabó para Alligator Records en Chicago, sello con el que volvió a grabar en 2010.  Recibió más nominaciónes al Grammy por sus discos de 1987  “Live from Chicago: Mr. Superharp Himself!”  con Alligator y “Take Me Back” para Blind Pig Records. Consiguió un Grammy en 1996 el disco “ Deep in the Blues”.  En 2006, fue incluido en el Blues Hall of Fame en una ceremonia llevada a cabo por la Fundación de Blues en Memphis.  Ha ganado o compartido diez Blues Music Awards.  A pesar de un cáncer de garganta a partir de los noventa, siguió haciendo giras, usando otros cantantes o miembros de su banda como vocalistas. Cotton vivió sus últimos años en Austin y sacó su último disco en 2013, "Cotton Mouth Man".

Documento sonoro: 

Primera grabación de James Cotton para Sun records.



 James Cotton en directo en 1973.