jueves, 8 de diciembre de 2016

Fallece Greg Lake de los Emerson, Lake and Palmer

Greg Lake
Gregory Stuart Lake nació el 10 de noviembre de 1947 en Dorset, Inglaterra, y falleció en Londres el 8 de diciembre de 2016 a consecuencia del cáncer. Bajista, guitarrista, vocalista, compositor y productor,  fue fundador del trío de rock progresivo Emerson, Lake and Palmer y antes formó parte de The Gods y los King Crimson.  También tuvo una carrera en solitario un par de discos.

En 1968, Lake era miembro de The Gods,  combo psicodélico fundado en Hertfordshire en 1965, y disuelto en 1970. Entre sus componentes estaban el organista y cantante Ken Hensley, el baterista Lee Kerslake, y el bajista Paul Newton, quienes más tarde formaron Uriah Heep, más el bajista y cantante Greg Lake, el bajista de Jethro Tull John Glascock, o el guitarrista Mick Taylor de The Rolling Stones.  Sacaron un par de discos de estudio.  Lake dejó el grupo en  verano de 1968 antes de que saliera su álbum de debut, “Genesis” (1968). Su segundo trabajo se tituló “To Samuel a Son” (1969).

Greg Lake
Lake entró a formar parte de King Crimson con su amigo de la escuela, Robert Fripp. Su primer álbum “In The Court Of The Crimson King (An Observation By King Crimson)” fue grabado por Greg Lake al bajo y voz solista más producción, Michael Giles a la percusión,  Robert Fripp a la guitarra y Ian McDonald a los teclados.  King Crimson estuvo de gira por América del Norte con The Nice, quienes celebraban su gira de despedida. Fue después de este tour en abril de 1970 que Lake sale de King Crimson para formar Emerson, Lake & Palmer, junto con Keith Emerson de The Nice a los teclados y Carl Palmer  de Atomic Rooster y The Crazy World of Arthur Brown a la batería y percusión.  Lake aún colaboraría en el segundo álbum King Crimson, “In the Wake of Poseidon” (1970).

Emerson, Lake and Palmer 
El trío se presentó en el Plymouth Guildhall en Inglaterra y al poco en el Festival de la isla de Wight el 29 de agosto de 1970. El primer disco, de título homónimo, se puso a la venta en noviembre de ese año con el que consiguieron un gran éxito, sobre todo por el tema "Lucky Man”, más otros temas como "The Barbarian", y "Knife Edge", ambos arreglos de temas clásicos, una de sus grandes especialidades.  El segundo disco, “Tarkus” salió en 1971 y llegó al número 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos al número 9.  Fascinado por el Moog, Keith Emerson estaba interesado en sacar todo el rendimiento posible al sintetizador.  Le seguiría una fascinante adaptación de la obra del compositor Modest Petrovich Mussorgsky, “Pictures at an Exhibition” en directo en Newcastle City Hall el 26 de marzo de 1971. El disco fue otro gran éxito. 

Emerson, Lake and Palmer 
Antes de que acabara el año salió “Trilogy”, otro trabajo mayúsculo, con más adaptaciones como  "Rodeo" de Aaron Copland con el título de "Hoedown", entre otros temas destacados como la misma "Trilogy" y "From The Beginning". Ya en 1973 sale “Brain Salad Surgery” con el apoyo de las letras apocalípticas a cargo de Peter Sinfield quien trabajó con King Crimson.   En 1973 fundan Manticore Records, paras sacar sus propios discos, fichando a otros músicos como el cantante de King Crimson, Pete Sinfield.  Realizaron una gira mundial que fue grabada en un triple disco titulado “Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends”.  Le siguieron tres años con algunas disputas internas y volvieron a reunirse para grabar en 1977 el disco “Works, Vol. 1”.  Los tiempos habían  cambiado. Ya no interesaban las bandas progresivas y triunfaba la música disco o el punk. Aún así consiguieron un éxito notable con "Fanfare For The Common Man". “Works, Vol. 2” salió el mismo 1977 con caras B y temas antiguos.

Greg Lake

Tras algunos directos y pérdidas económicas  importantes por contratar toda una orquesta para el directo, sacan en 1978 “Love Beach” con la versión de "Canario" de Joaquín Rodrigo. Al año siguiente se separan. Greg Lake inició una carrera en solitario con bastante éxito, Keith Emerson se dedicó a crear música para películas entre otros proyectos, y Carl Palmer entró en los Asia.
Volverían a reunirse en 1985 pero sin Palmer que estaba ligado a Asia. En su lugar tocó Cozy Powell de los Whitesnake, el grupo de Jeff Beck y  Rainbow.  Sacaron un disco en 1986 pero volvieron a separarse, En 1988 , Emerson y Palmer se unieron a Robert Berry y sacaron otro disco llamado “To The Power Of Three”.  Ya en 1991, los tres miembros originales crearon la banda sonora de una película de la que solo salió el disco “Black Moon”. Volvieron a los escenarios en 1992, sacando en 1994 “In the Hot Seat. Victory”.  Emerson empezó a padecer problemas   con un nervio de su brazo derecho que le llevó al quirófano.  Regresaron a los escenarios en 1996 pero se separaron de nuevo en 1998 por tensiones personales.  Ya en 2010, Emerson y Lake realizaron una gira por América del Norte, en acústico, y el 25 de julio de ese año, Emerson, Lake & Palmer dieron un concierto para celebrar el 40 aniversario, en el High Voltage Festival en Victoria Park. 

Lake contribuyó en  muchas de las canciones de los ELP y fue muy destacada su labor a la guitarra  en varios temas como "C'est la vie" (Works Volume I), "Still... You Turn Me On" (Brain Salad Surgery), "The Sage" (Pictures at an Exhibition) o "From the Beginning" (Trilogy). Como solista destacó con temas como "I Believe in Father Christmas".  Tras separarse el trío, Lake tocó un tiempo en Asia en el año 1983 reemplazando a John Wetton. También sacó un par de discos como solista: “Greg Lake” (1981) y “Manoeuvres” (1983) con el apoyo del ex-guitarrista de Thin Lizzy Gary Moore.


Greg Lake 
Greg también ha girado en su trayectoria con la banda de Ringo Starr: All-Starr Band en 2001. A finales de 2003 tocó el bajo en "Real Good Looking Boy", de The Who. Ya en 2005 formó una banda con David Arch a los teclados, Florian Opahle a la guitarra, Trevor Barry al bajo y Brett Morgan a la batería.  Desde entonces colaboraría con la Trans Siberian Orchestra y Jethro Tull.  En 2010 siguió actuando y estableció su residencia en Kingston, Greater London. 

Keith Emerson falleció el 10 de marzo de 2016 a lso 71 años,  también destacó por su carrera como compositor de música para cine con bandas sonoras para películas como “Sylvester Stallone Night Hawks” (1981) y la música para Inferno (1980), de Dario Argento, entre otras.  En 2003 publicó sus memorias con  el título de “Pictures of an Exhibitionist” editadas por Random House.  Durante su trayectoria  obtuvo algunos  galardones como el prestigioso Frankfurt Music Prize.  En 2014 fue incluido en el salón de la fama del Hammond.

Documentos sonoros: 

Greg lake cantando con los King Crimson "Cadence and Cascade" (1970). 



Greg Lake interpreta "Still Me Turn On" de los ELP en 1974 


miércoles, 7 de diciembre de 2016

Los Jíbaros, todavía son bravos, y lo demuestran con un espléndido álbum de pop poderoso


Portada
Entre los bosques inaccesibles de Sudamérica habita un conjunto de tribus Shuar, llamadas por los conquistadores españoles los Jibaros,  cuyas tradiciones surgen de lo oscuro. Entre sus costumbres, destaca una depurada técnica para reducir las cabezas de sus enemigos, la adoración a un demonio llamado Luanchi, y un amplio abanico de rituales materializados con alucinógenos varios.  Se trata de un pueblo guerrero que aún mantiene comunidades en estado salvaje, y cuyo nombre ha inspirado a esta banda madrileña que te presentamos. Un calificativo genérico que bien podría responder a una actitud de rebeldía frente a la realidad sociocultural dominante cuya ausencia de criterio coloniza las mentes para perpetuar el orden consumista establecido.  Los Jíbaros son la evolución natural de los ya conocidos Zombie Valentines, de los que ya te hemos hablado en varias ocasiones en este espacio musical.  Arrancan este 2016 con un disco de título homónimo editado por un combinado  de irreductibles discográficas como son Kotj Records, Sweet Grooves Records, Hurrah! Música y Delia Records más una magnífica portada y todo el arte final a cargo del gran Don Rogelio J.  Tal y como decían los colonos y los misioneros españoles  allá por el siglo XVI al ser expulsados por los valerosos Shuar de sus tierras: “estos jibaros todavía son bravos”.     

Trayectoria 
Los Jíbaros. Foto: Vi-twins
Los Jíbaros son David Lorenzo (guitarra, piano, voz y coros), Al Moretti (guitarra, armónica, voz y coros), Gabriel Cuesta (batería y percusión) y César Sánchez (bajo, órgano, sintetizador, voz  y coros).  Antes de este proyecto formaron los Zombie Valentines, combo creado en  2006 en Madrid (+ info).  En 2010 sacan su primer Ep para Sunny Day Records. Al año siguiente editan, con el mismo sello cacereño, su Lp de debut con el título de “Mejor Ahora”.  César Sánchez fue la último en incorporarse procedentes de bandas como Autonautas entre otros. 

Artwork Don Rogelio J.
Este disco que te presentan ya bajo el nombre de los Jíbaros fue grabado, mezclado, y masterizado por Pepe Bermejo en los estudios Village Green. Tomos los temas del álbum son originales de la banda menos “Mi corazón” que es una adaptación al castellano de la canción “Beat your Heart Out” de Robert López  de The Zeros.  El arte, con ese espectacular dibujo de la portada, es de Don Rogelio J. quien también aporta otra magnífica ilustración en la hoja interior así como se encarga de la maquetación y diseño. En la contraportada hay una buena foto de Dyana Omary.    

Las canciones

Los Jíbaros. Foto: Dyana Omary
El disco se abre con el tema "Los tiempos están cambiando",  toda una declaración de intenciones como bien nos dice Binguero en otro de sus imprescindibles escritos de promoción (léelo aquí).  Una canción en la que nos cuentan:  "Y si somos de otro tiempo, qué más da. Yo me quedo con los besos, con los discos y con el amor de verdad".   Espectacular comienzo con descarga de guitarras, complementos de bajo y batería de lujo, y esa magnífica voz principal que desgrana una melodía preciosa. Incluyen un desgarrado solo de guitarra que aporta actitud de rock and roll más juegos de voces de auténtico himno generacional.  Le sigue "Menos que menos"  otra muestra irrefutable de la capacidad para crear canciones bonitas, ideales para “dejarse de cuentos”.  Nos cuentan: “Duele el fin un poco más de normal” aunque se atisba una energía que aporta sueños.   Combinaciones maravillosas de  guitarras que vienen a llenar ese “nada nuevo en mi corazón”. “El odio y el dolor los cura el tiempo…”. 

Los Jíbaros. Foto de su facebook
“Quiero decirte algo” es el título del siguiente corte. Siguen brillando melódica y rítmicamente con detalles de powerpop americano a ritmo trepidante y cambios de estructura armónica con detalles instrumentales  fantásticos. “No puedes ni imaginar lo largo que es un día sin ti”.  Con el pensamiento pendiente de ese  rencuentro llegamos a  "Costa Oeste", otra excelente  muestra de su talento en este caso con introducción de armónica, “desde un susurro de mares y sal… aprendiendo en un alto en el camino para pensar… el viento vuelve a soplar”.  Más solos de guitarra bien ideados, y detalles  americanos con cambios de tempo, “el destino nos vuelve a encontrar”.  Con  "Ella dirá que no",  la banda nos acongoja con más respuestas a atnatas preguntas. “Las nubes cubren un cielo sin fin, quiero arrastrarlas lejos de aquí”. Tema de ritmo bien marcado, con detalles de beat sixties, crescendos de antología, y estribillos con magia.  

Los Jíbaros. Foto de su facebook
Cierran la cara A con "Radio de acción", canción para “perderse en tu mirada… y no sé cuánto tiempo llevo allí, recuerdo esas palabras, si entras no vas a poder salir”. Tema que suma arreglos psicodélicos. R&B y powerpop para  “volver atrás” dando varios pasos hacia adelante.  Definitivamente, nos quedamos en su radio de acción. A destacar esa magnífico solo ácido de guitarra y una endiabla forma de cantar que levanta el ánimo hasta más allá de la estratosfera.
La cara B empieza con "Ni un segundo aquí",  mediante  más guitarras desatadas de R&B. Reza el estribillo: “prefiero no estar, prefiero volar muy lejos, ya no aguanto ni un segundo, aquí no estaré bien, el siervo ha aprendido a morder”.  Una canción no apta para gente con “sangre de horchata”. 

Los Jíbaros. Foto de su facebook
"Todos mis miedos"  es el siguiente corte que nos pone alerta desde el primer acorde con sensual riff de bajo. “Todos los miedos desaparecen cuando te tengo cerca… si no te veo, todo se nubla, se vuelve negro”.  Tema fantástico de amor con otra melodía exquisita entre un ritmo muy bien trenzado, más otro solo de eléctrica conmovedor.  En  "Las chicas como tú",  los Jíbaros se muestran especialmente inspirados para definir un recorrido de powerpop absorbente, entre coros, guitarras sutiles, y esa voz luminosa principal entre “palabras que brotan y se amontonan en mi boca y no consigo reaccionar”. Sudando tinta, nos cuentan cosas del amor, el deseo, filtrando los deseos entre canciones que sí  importan, que son como aquellas tan bonitas que solemos escuchar.   Y de esas  chicas que se arreglan solas, con tanto que pensar, llegamos al siguiente corte titulado "Chico listo".  Aquí los Jíbaros arremeten con una profundidad muy convincente, a ritmo potente, para describir con ironía el perfil de esos chicos listos que “se pasean por la cruda realidad sin amigos, montados en el tren de la ambición donde no hay asiento para débiles de corazón”.   

Los Jíbaros. Foto de su facebook
Llegamos de este modo a la versión del "Beat Your Heart Out" de los Zeros de Roberto López (El Vez),  adaptado magistralmente por la banda con el título de  "Mi corazón".  Más guitarras que nos embelesan  acompañadas por  esa batería y bajo que ruedan a tempo impoluto. Con el corazón desbocado, consiguen que la canción se integre en su magnífico cosmos creativo sin fisura alguna. Cierra el disco "Contar mentiras”, la última de las perlas de este imprescindible disco, mediante un ritmo más pausado pero igual de intenso con detalles de folk inconmensurables. Canción de elevada carga social: “vuelven a decir que lo hacen por ti… son las ratas del barco que huyen del naufragio…  los amos del miedo comprando tu silencio”.  “Nuevas mentiras, mismo final. Treinta monedas sucias y un beso.  Si te arrepientes dile a Dios que te perdone, nosotros no. No olvidamos los engaños y el desprecio”. 

Reflexión final

Los Jíbaros. Foto de su facebook.
En un disco de este calibre, con semejantes canciones de pop poderoso, brillantes de principio a fin, debería figurar una de esas ya habituales pegatinas tan comunes últimamente en los discos,  para destacar la enorme trascendencia de esta banda capaz de mutar de un proyecto fascinante como fue Zombie Valentines a otro como el de los Jíbaros con el que adquieren una vivacidad y una maestría melódica y rítmica digna de los mejores combos  de powerpop a nivel internacional.  Es por ello que no desentonaría en absoluto advertir en la portada que su contenido no es apto para mediocres, sino que contiene una amalgama de buen gusto, actitud y originalidad sin parangón alguno, ideal para paladares exquisitos. Aunque, probablemente, haya quien aún no quiera darse cuenta, ni por éstas, estoy convencido que de este álbum se hablará largo y tendido  en circuitos inteligentes actuales así como de épocas venideras.  Es indiscutible que este álbum es uno de los trabajos discográficos más originales, como poco, de este año en curso. Desde la humildad y la empatía que les caracteriza, ejemplificada en frases como la  añadida en la hoja interior en la que se dice  “Por muchos años de música y parranda”, este cuarteto ha renacido con una capacidad descomunal para tocarnos todas y cada una de las fibras más sensible de nuestro cuerpo.  Mediante unos cimientos firmes y una creatividad inaudita, han logrado reinventarse para llegar con mayor facilidad aún si cabe, a lo más electrizante de nuestros sueños, a lo más hondo de nuestros corazones, y a lo más vibrante de nuestros biorritmos mediante las ideas ejecutadas de forma impecable. 

Nota: Puedes escuchar y adquitir el disco en el bandcamp de Kotj Records, Hurrah! Musica, Sweet Grooves o Delia records.   

Actúan el 10 de dicembre en el Purple Weekend en el Espacio Vías a partir de las 13:00 horas con entrada gratuita.

martes, 6 de diciembre de 2016

Muere Mark Gray, miembro de los Exile y cantante de country

Mark Gray 
Mark Eugene Gray nació el 24 de octubre de  1952 en Vicksburg y falleció el 2 de diciembre de, 2016 en Lebanon, Tennessee .  Cantante de country, fue componente del grupo Exile de 1979 a 1982 y también destacó en su carrera en solitario grabando para Columbia records.  

Gray sacó tres discos a su nombre y consiguió 8 Top 40 country hits, entre los que destacó el dúo con Tammy Wynette "Sometimes When We Touch",  una versión de un tema de Dan Hill.  Sus discos se titularon “This Ol' Piano” (1982), “Magic” (1984), y “That Feeling Inside” (1987).  Coescribió "Take Me Down"  y "The Closer You Get",  grabados por los Exile que llegaron a éxitos con Alabama.  Otros temas coescritos por Gray  son “It Ain't Easy Being Easy"  para  Janie Fricke y "Second Hand Heart"  para Gary Morris.  En 1979 colaboró tocando los teclados para Dobie Gray quien grabó su tema  “Spending Time, Making Love And Going Crazy”.


Los Exile, originalmente conocidos como The Exiles, fue una banda  de rock and roll fundada en Richmond, Kentucky, por JP Pennington, en 1963.  Acortaron el nombre a Exile en 1973 con el guitarrista Pennington, el vocalista Jimmy Stokley,  Bernie Faulkner  al saxo, Billy Luxon a la trompeta y teclista, el bajista Kenny Weir, y el baterista Bobby Johns.  En 1978 triunfaron con la balada  "Kiss You All Over".  A partir de los ochenta fueron una banda principalmente de country con Les Taylor como cantante.  Mark Gray tocó con ellos el piano y cantó en el disco “Heart and soul” (1981) en el que se incluye su tema “Baby, It's Me”. 

Documento sonoro: 

 "Sometimes When We Touch" a dúo con Tammy Wynette y Mark Gray.  


Fallece el saxofonista de R&B y jazz Herbert Hardesty

Herbert Hardesty
Herbert Hardesty  nació el 3 de marzo de 1925 en Nueva Orleans y falleció en las Vegas el 3 de diciembre de 2016. Saxofonista tenor, también tocaba el alto, el barítono,  la trompeta y el contrabajo. Será recordado, entre múltiples proyectos, por haber acompañado a Fats Domino durante varias décadas,  y colaborar con el productor Dave Bartholomew, a partir de 1948, así como mañ´s recientemente con el Dr. John y Tom Waits.  Sacó seis sencillos a su nombre  entre 1959 y 1962, aunque su primer Lp grabado en 1958 no salió hasta 2012 con Ace Records bajo el título de “The Domino Effect”.


Herbert Hardesty

Hardesty comenzó con la trompeta en la escuela a los seis años y usó una que le dio a su padrastro,  Louis Armstrong. También tomó lecciones del profesor Valmore Victor y comenzó a tocar en una banda local. En 1939 cobraba ya por tocar en bandas dirigidas por Papa Celestin, Sidney Desvigne y otros.  Chick Webb también le pidió que tocara con su orquesta. Se alistó en el ejército en 1941 y en la base de Jackson, Mississippi, se ofreció como voluntario para tocar el saxofón en la banda. Su oficial al mando le compró un saxofón alto, que Hardesty aprendió a tocar en dos días. Su entrenamiento continuó en Tuskegee, Alabama y  se convirtió en técnico de radio.  Cuando podía tocaba la trompeta y el saxofón alto con músicos europeos con los que coincidía en cada lugar por donde era destinado. Después de que la guerra terminara, Hardesty regresó a Nueva Orleans y asistió a la Universidad de Dillard.


Herbert Hardesty
Su primer trío se presentó en el Hurricane Bar de Nueva Orleans, a pocas manzanas de donde vivía, con Hardesty tocando el contrabajo acompañado por un guitarrista y un pianista, similar al grupo de Nat King Cole.  Poco después Hardesty compró un saxofón tenor y comenzó a tomar lecciones. En 1948 formó un grupo, The Four Dukes, con el que tocó en el Club Desire en Nueva Orleans. Se encargaba de tocar la trompeta y el saxo tenor.

Hardesty conoció al compositor y trompetista  Dave Bartholomew en 1946, y en enero de 1949 Bartholomew le pidió que tocara en el  estudio con Chubby Newsome para De Luxe Records, quien grababa el disco “New Orleans Lover Man”.  En esa sesión también actuaron  el baterista Earl Palmer, el bajista Frank Fields, el guitarrista Ernest McLean.  Con esa formación grabó muchos éxitos en el estudio de Cosimo Matassa,  J & M Recording Studio. Más tarde en 1949, Hardesty viajó durante unos seis meses con el cantante Roy Brown.

Al regresar a Nueva Orleans, volvió a grabar con Bartholomew, incluyendo sesiones conocidas de 1949 para Jewel King o Tommy Ridgley. El 10 de diciembre de 1949, colaboró en el "The Fat Man" con Fats Domino, su primer lanzamiento.  Durante la primera mitad de los años 50, Hardesty continuó tocando en el estudio con Domino y otros artistas, incluyendo Lloyd Price (Hardesty contribuyó el solo del saxofón de "Lawdy Srta. Clawdy"), Shirley y Lee, Smiley Lewis, T-Bone Walker, Big Joe Turner, Little Richard, y otros.  En 1953, ayudó a Ray Charles a organizar una banda para una gira.

Herbert Hardesty
A partir de 1955 giró con Fats Domino. Grabó con él “Blue Monday”  tocando el barítono.  Otros solos memorables para Domino los podemos oír en  "I'm Walkin'", "Ain't That a Shame", o "Let the Four Winds Blow". Ya en 1957 grabó a su nombre con el guitarrista Mickey Baker.  12 canciones fueron grabadas en enero de 1958 en el estudio de Cosimo Matassa en New Orleans para Wing Records, subsidiaria de Mercury Records,  pero no fueron editadas hasta 2012 en un disco llamado “The Domino Effect” para Ace Records.  En esa época también grabó con el cuarteto vocal canadiense Diamonds,  el tema "Do not Let Me Down" (también conocido como "Chick-Lets").  Hardesty registró cuatro canciones más en octubre de 1961, que fueron lanzadas en 1962 por Federal Records. En dos de ellas contó con la voz del guitarrista de Nueva Orleans Walter "Papoose" Nelson.  Hardesty coescribió el tema de Fats Domino de 1964, “Fats on Fire”.


Hardesty continuó de gira con Domino hasta 1971, cuando se mudó a Las Vegas. En 1973 tocó la trompeta con la Duke Ellington Orchestra en el Hilton Hotel de Las Vegas y fue miembro de la Count Basie Orchestra durante seis meses, tocando el saxofón tenor.  También colobaró con Tony Bennett, Ella Fitzgerald, y Frank Sinatra.  En 1978, el baterista Earl Palmer le invitó a grabar con Tom Waits en el álbum “Blue Valentine”. Fue miembro del cuarteto de Waits entre  1978 y 1979, viajando por los Estados Unidos, Europa y Australia.  Tocaba la trompeta más el saxo tenor. 


Herbert Hardesty
Desde 1980 hasta 2005 volvió a tocar con Domino. También tocó el saxo tenor en el álbum de 1992 del Dr. John, “Goin 'Back to New Orleans”. A lo largo de todos estos años ha actuado en Europa y ha grabado en Alemania con el Olaf Polziehn Trio. También apareció en el Ascona Jazz Festival con el saxofonista tenor Plas Johnson. Grabó con el pianista Mitch Woods los álbumes “Big Easy Boogie” (2006) y “Gumbo Blues” (2010). Hardesty siguió tocando con el  Dr. John en el New Orleans Jazz & Heritage Festival y continuó actuando en Las Vegas donde murió  el 3 de diciembre de 2016 a la edad de 91.  

Documentos sonoros: 


Herbert Hardesty  y "Jumpin' Tonigh".
 
 
Herbert Hardesty tocando con Fats Domino.


Herbert Hardesty con Tom Waits.

 

domingo, 4 de diciembre de 2016

Muere el guitarrista checo Radim Hladík, de The Matadors y Blue Effect

Raduim Hladik
Radim Hladík nació en Praga el 13 de diciembre de 1946 y falleció a causa de una fibrosis pulmonar  el 4 de diciembre de 2016. Fue un gran guitarrista, compositor y productor checo de rock.  Formó parte de bandas como Komety, The Matadors y Blue Effect. Entre sus más conocidas composiciones destaca el tema “Tea-room”.  Está considerado como uno de los más grandes guitarristas checos.

Cuando era niño, aprendió a tocar el piano. Durante dos años asistió al Conservatorio de Praga, donde estudió guitarra clásica. A los 15 años comenzó a tocar la guitarra en el grupo de rock and roll, Komety. Desde la segunda mitad de la década de los sesenta, es considerado como uno de los mejores guitarristas checos y ha ganado varios premios por ello.

Fue miembro de The Matadors con su amigo Vladimír Mišík.  La historia de los Matadors empieza con Wilfried Jelinek que forma el grupo checo-alemán de rock Pra-Be ("Praga-Berlin") en el año 1960. Jan "Farmer" Obermayer se añade a la formación como saxofonista en 1964 con Otto Bezloja al bajo. Entonces pasan a llamarse Fontana. Más tarde entrarían el guitarra solista Radim Hladík y Vladimir Mišík, a la guitarra rítmica que pasaría a la armónica y voces. Matadors nacen en 1965 por un órgano eléctrico llamado “Matador”. Se les uniría Karel Kahovec, a la guitarra, y más tarde el batería Miroslav Schwarz, también conocido como Tony Black. Durante toda la década de los sesenta se producirían más cambios en la formación.


Radim Hladik
En 1968 Hladík y Mišík crearon el grupo psicodélico Blue Effect.  Después de que Mišík dejara el grupo, Hladik se convirtió en el líder de la banda.  Los Blue Effect grabaron discos de jazz rock como “Coniunctio” y “Meditace”  (1970), “Nová Syntéza - New Synthesis “ (1971),  “Kingdom Of Life” (1972), o “A Benefit Of Radim Hladík” (1975) firmado por Modrý Efekt & Radim Hladík”, primer lanzamiento de una banda creada por miembros de Gramofonový Klub, Čs. Hifi-klub y  Diskotéka Mladého Světa. Los siguientes discos estñan formados por M. Efekt como “Svitanie) (1977), “Svět Hledačů” (1979), o “33” (1981).  En 1979, con el cantante Lešek Semelka y el baterista Vlado Čech, grabó la canción ganadora del festival de Bratislavská Lyre, “Šaty z šátků”. Más recientemente volvió a reunir una nueva formación de Blue Effect, trabajo en varios proyectos de composición y estaba ultimando un nuevo disco.  

Documento sonoro: 

The Matadors, "Get Down from the Tree" (1967).


Los Blue Effect en 1969 y "New Club".



"Tea Room" de Hladik también conocida por su nombre en checo, "Čajovna"




Fallece Wayne Duncan, bajista australiano

Wayne Duncan
Wayne Duncan falleció el 4 de diciembre de 2016 a los 72 años de un derrame cereral.  Bajista, formó parte de varios combos australianos de los sesenta como The Rondells,  y en los setenta como Sons of The Vegetal Mother que se convirtieron en los Daddy Cool, grupo de rock and roll más blues, y también en la banda de boogie, Gary Young's Hot Dog.  

Wayne Duncan al bajo y voz más Gary Young a la batería y voces formaban parte de la sección rítmica de muchas bandas instrumentales de los cincuenta acompañado a grupos como los Rondells que eran el combo del dúo de éxito Bobby & Laurie quienes llegaron al número 1 en 1966 con el tema "Hitch Hiker". Young conoció a Ross Wilson, que había formado parte de los Pink Finks, grupo de R&B que se pasó a la psicodelia con el nombre de  The Party Machine.  Wilson, Ross Hannaford ( fallecido este 2016), Young y Duncan formaron Sons of the Vegetal Mother, grupo de rock progresivo. Entusiastas del sonido de Frank Zappa, sacaron un disco llamado “Garden Party EP”. La banda evolucionó hasta convertirse en los Daddy Cool, que había empezado siendo una parte informal de los Vegetal Mother.  El grupo estaba formado por Wayne Duncan, bajista y voces; Ross Hannaford, guitarrista y voces; Ross Wilson, voz solista y guitarra, más armónica; y Gary Young a la batería. También estuvieron en la formación Jeremy Noone “Killock” al saxo y teclados (1971-1972);  Ian "Willy" Winter, guitarra (1972); Ian Gunther Gorman , guitarra (1975); y Wayne Burt,  guitarra (1975).
Wayne Duncan derecha,


Empezaron sacando un single con el tema  "Eagle Rock" y tras debutar con el Lp “Daddy Who? Daddy Cool” se convirtieron en una banda de éxito en su país. Le siguió otro álbum llamado “Sex, Dope, Rock'n'Roll: Teenage Heaven” y a finales de 1972 se parte la formación.  Wilson y Hannaford crean Mighty Kong con ex miembros de Spectrum y Company Caine y graban el disco “All I Wanna Do Is Rock” tras el que se separan.

Wayne Duncan



Young y  Duncan crean una banda de boogie Gary Young's Hot Dog en septiembre de 1972, cin la que sacan dos singles en 1973: "Rock-a-Billy Beating Boogie Band" y "The Saga of the Three Little Pigs". Duncan padeció un accidente de tráfico y se hizo cargo del bajo Hannaford. Duncan también colaboró con el cantante australiano Ross Wilson. 

Daddy Cool se reformaron en 1974 y la banda continuó hasta 1976, cuando se separaron de nuevo. Hannaford y Wilson volverían a colaborar en la banda sonora de la película de 1976 “Oz”. Posteriormente Hanna trabajó de músico de sesión y tocó en muchas bandas  como The Black Sorrows, Paul Madigan & The Humans, Critters, Ian Moss, Steve Hoy, Mark Gillespie, Billy T, Ram Band y Goanna.  Durante los noventa formó  la banda Diana Kiss y The Ross Hannaford Trio. 

Daddy Cool. Wayne derecha 

En 2000 Hannaford grabó como Hey Gringo “I Was There”.   En 2005 los miembros originales de Daddy Cool se reunieron para una actuación en un concierto benéfico en Melbourne para ayudar a los damnificados en el  tsunami asiático. Al año siguiente volvieron a grabar un nuevo single y un álbum, “The New Coll”.  En noviembre de 2007 realizaron una gira por Australia.  En julio de 2015, se anunció que Hannaford sufría "problemas graves de salud" que le obligaron a cancelar una gira. Los amigos organizaron un concierto benéfico para recaudar fondos que le ayudasen a pagar los gastos médicos.  En 2015 salió un último disco a su nombre. Falleció el 8 de marzo de 2016 (+ info).

Documento sonoro:

Daddy Cool en la televisión en 1971 con "Come Back Again".


viernes, 2 de diciembre de 2016

Fallece Micky Fitz de los Business

Micky Fitz
El 1 de diciembre de 2016, el website Louder Than War publicaba que Micky Fitz,  frontman de la banda de punk Oi! The Business, había fallecido a consecuencia del cancer.  Formada en octubre de 1979 en South London, la banda fue uno de los principales exponentes del llamado Oi! o Street punk.  Una de sus más recordadas canciones es “England 5 - Germany 1” basada en el resultado del partido clasificatorio para la Copa del Mundo de fútbol de 2002 jugado el 1 de septiembre de 2001, que se convertiría en todo un himno para los seguidores de la selección inglesa.

The Business


La banda  fue creada por los amigos de la escuela Steven 'Steve' Kent (guitarra), Michael Fitzsimons 'Micky Fitz (voz), Nicholas 'Nick' Cunningham (baterista) y Martin Smith (bajo).  En febrero de 1980 dieron su primer concierto y después se pusieron en manos de la manager Laurie “Lol” Pryor.  Su primer tema "Out in the Cold" se incluyó en un recopilatorio  Sudden Surge of Sound.  Pese que hubo bandas Oi! que tocaron en los conciertos del Rock Against Racism, el movimiento fue tildado de racista. Los Business se mantuvieron en contra del racismo y del extremismo político con letras que hablaban preferentemente de alcohol y fútbol.  En 1981 debutaron con el single "Harry May".
A finales de ese año se separaron. Kent, Cunningham, y Smith formaron Q-Bow. Fitz siguió con Pryor, y reclutaron a los guitarristas Graham Ball, Mark Brennan y Steve Whale de The Blackout, y John Fisher a la batería.  Debutaron con la nueva formación en 1982 y Ball más Fisher se salieron. 

Se quedaron en formación de cuarteto con Kev Boyce de The Blackout a la batería. Grabaron “Smash The Discos Ep”  con el que llegaron al tercer puesto de las listas y tras una gira grabaron su primer disco que debería haberse llamado “Loud, Proud, and Punk” pero desaparecieron las cintas tras desavenencias con el sello  y tuvieron que volver a grabar los temas  saliendo como “Suburban Rebels” en mayo de 1983. El disco fue remezclado por el sello Secret y tras dificultades económicas varias, acabaron por separarse.  Algunos de sus componentes formaron Chapter y Sabre Dance.
Pryor recopiló material inédito para su sello Syndicate y su éxito convenció a la banda para  reunirse sacando un álbum en vivo llamado  “Loud, Proud, and Punk” aunque fue grabado en estudio con ruido añadido de público. Pryor convirtió su sello en Wonderful  World y se embarcaron en una gira llamada “Drinking and Driving tour” con la que no se ahorarron las críticas conservadoras por el título. A finales de 1986 Brennan y  Pryor fundaron Link Records, y la banda volvió a separarse.  En 1985 vio la luz el disco “Saturday’s Heroes”, y en 1986 “Wellcome to the real World”.   

The Business
Ya en 1992 Fitz se unió a The Elite dio un concierto benéfico mientras  Brennan creó Captain Oi! Records.  Los nuevos Business fueron Micky Fitz (cantante), Steve Whale (guitarra), Lol Proctor (bajo) y Micky Fairbairn (baterista).  Sacaron el single "Anywhere But Here" y un Nuevo disco en 1994, “The Faith”.  En 1994 sacaron “Keep the Faith”.  Giraron por Europa y por los Estados Unidos   y en 1997 sacaron otro disco llamado “The Truth, The Whole Truth and Nothing But The Truth” producido por Lars Frederiksen de los Rancid.  En 2001 salió “No mercy for you”  y en 2008 “Mean Girl”.  Siguieron tocando por todo el mundo y con la muerte de Fitza se da por finiquitado el proyecto. 



Documento sonoro: 

Colección de singles de los  Business. 


miércoles, 30 de noviembre de 2016

Munlet despliega lo mejor de su original imaginario en un extraordinario disco llamado “Chupacabras”

Portada
El Chupacabras es un críptido, es decir, un espécimen mitológico que nace de la leyenda, en este caso contemporánea, sobre una especie de reptil que ataca a animales en zonas rurales o que te absorbe los sesos en el caso del tema que da título al nuevo disco de los Munlet. Un álbum que despliega todo el imaginario de este fructífero dúo de Mendaro (Guipúzcoa) hasta lugares inexplorados en el rock and roll dentro de un amplio abanico de recursos postpunk, tecno, o pop. Con elocuente portada del dibujante Miguel B. Núñez, autor de “Heavy 1986”, fue editado en septiembre de 2016 en vinilo, de color negro o naranja, por las discográficas KOTJ Records (Valladolid),  Ghost Highway recordings (Madrid), Mama Vynila records (Barcelona)  más Screaminguy records, sello de la banda, que se encarga de la edición en Cd.  Canciones muy conocidas como “Torsión”  que ya aparecieron en anteriores EPs, han sido redimensionadas para formar parte de este álbum donde escucharás otras excelencias nuevas como el tema que le da título, del que han creado un fascinante videoclip, entre otros momentos sonoros propios ideados con una garra deslumbrante, medidos con cambios de ritmo impresionantes, más una lírica sutil y contundente sin parangón alguno.

Trayectoria 

Munlet
Formados como dúo en 2002, tras la disolución de Uler 600, los Munlet graban tres EPs entre los años 2002 y 2005 a los que siguen los discos “Clínica de Ruidos” (Transpop, 2007), “Pong” (BiBateanDiskak, 2009), y “Cañón(Gaztelupeko Hotsak, 2010). En esa época pasan a quinteto, graban un single más una versión de los Oblivians para Ghost Highway Recordings (GHR) en 2011, y regresan al formato de dúo con “Bicefalopedia" (Bi Batean Diskak, GHR  y Screaminguy!,más Cd Digipak con la colaboración de Rumble Records, 2012).  Anteriormente a este nuevo álbum vieron la luz dos Ep's el 4 y el 5.

El disco que presentan este 2016, “Chupacabras” contiene catorce temas, uno más en la edición en digital, en los que se pone de manifiesto el enorme talento de esta pareja altamente creativa, siempre sorprendente, que conforman la singular Anita Ladyfingers a la voz principal, más sintetizador y percusiones; y el polifacético Ina Her Professor, a las guitarras, programaciones,  teclados, batería. Han contado con la inestimable ayuda, tras una sistemática relación en directo, de Carlos Cebrián en los teclados y sintetizadores, entre otros colaboradores de la talla de Alex Pis de los Ídolos del Extrarradio, Charlee Mito de los VIllapellejos o Mikel Bikitures, CJ Tower Lion, Mikel Bikitures,  Joe Jiménez, o Anton e Itzi, quienes aportan voces y guitarras en temas puntuales.

Artwork Miguel B. Núñez
El disco se grabó, mezcló y masterizó en manos del propio Ina Munlet durante un proceso dilatado de varios meses llevado a cabo con escrupulosa meticulosidad  en su propio y famoso estudio “El Cubo”.  Cabe destacar que la edición en Cd contiene un bonus track con el título de “Divina of the death”, una nueva versión del tema que el dúo creó para el artista bilbaíno Yogurinha Borova y que ha tenido un éxito inusitado en formato de varios videos y remixes.    

Las canciones 

El disco se abre con “Venganza” y toda la furia de esta gran banda capaz de aunar palabras, gestos, arreglos, y mucho arte para definir un proyecto propio y único.  “Yo solo quiero hacerte sentir… Venganza. Todo mi odio saliendo hacia ti”. Una “sátira emoción” en la que destacan esas descargas electrónicas tan consistentes que acompañan, con un ritmo impoluto, a la voz principal que nos anonada con una tesitura hecha a la medida de tan excelente tema.  Completa la canción esos efectos especiales que acrecientan su fiereza.  Le sigue “Torsión”, una maravilla de combinación de rítmica y melodía. La canción es una brillante armonización de ritmo bailable, juegos electrónicos espectaculares, descargas de guitarras y magníficas cascadas de efectos sonoros entre los que brilla la interpretación vocal de su cantante con esa facilidad para generar emociones y catalizar nuestra energía. Imposible resistirse. Nos abocan a movernos sin parar a un ritmo cautivador que nos invita a  contorsionarnos desde los pies a la cabeza entre “gritos no calmados” y revivir los sentidos entre impulsos. 


A continuación nos ofrecen “Transitoria belleza, plasmas y perdón”, ejemplar simbiosis de electrónica y hard rock con golpes certeros de guitarra entre “cristalinas las pupilas del terror que se abren paso hacia tu entraña”.   Siguen los versos extraordinariamente tallados con un cuchillo afilado como “las cloacas se defienden del hedor, de cataplasma de tu esfera de sudor, encharcada la basura, maldición…”

Con la “Noche del cocodrilo”, golpean con “enloquecida cordura” mientras introducen riffs de antología, cantando en este caso Ina con voz siniestra. Suculentos cambios de ritmos, “voces en mi mente” aportadas por Anita, entre “bicicletas, naves prohibidas que viajarán al lado escondido” con un “salvavidas de neopreno, esplendor del vacío, melancolía atípica, cierra los ojos del susurro…”. Un final instrumental de teclados envolventes borda este fantástico tema que nos lleva a “No te debo nada”, otra excelencia marca de la casa. Tempo salvaje, voz aguerrida, arreglos fabulosos, y una melodía apabullante nos martillean como un “corazón robotizado” por medio de un gran “poder mental”, entre secuencias instrumentales de órdago, y frases contundentes como “vomitando el rumor” entre “estrellas apagadas sin brillo y piedad”.     

Munlet. Foto: Art No
Le sigue “Ah! Y los borbotones del odio”, magnífico tecno punk con “guantes manchados” creando un “misterio oculto que sonríe ante el susurro al hielo de Satán, oculta el trazó sin hablar”. Otro sencillo pero muy efectivo riff de guitarra pop completa esta sucesión de bellezas sonoras que pueden mutar a descalabros salvajes como “Soledad Miranda”, fascinante instrumental con secuencias cinematográficas, una gran guitarra surfer, efectos espaciales y ritmo trepidante. Cierra la cara A “Autos Locos”, otro ejemplo de punk aderezado con detalles tecnológicos entre descargas de guitarras y momentos de teclados desquiciados que desembocan en un curioso momento de guitarra acústica rompiendo esquemas para volver al motivo central con “una mirada olvidada, atónita y molesta, una clase de heroísmo, un cadáver olvidado!”.   

La cara B empieza mediante las “Conductas de Autodestrucción”, un tema de extraordinaria compenetración poética y musical en el que destacan esos arreglos tan sugerentes de guitarras y electrónica  a cargo de unos Munlet en estado de gracia, con la ayuda inestimable de Alex Pis. Una pieza de orfebrería apta para la pista de baile con una letra cargada de lucha existencial, “huyendo de la imagen, de la mentira constante”.  Tras la gran voz del mencionado Álex, se añade Anita cantando en el estribillo: “Solos tu y yo … juegos de evasión, torturando la razón… pierdo el control, en paredes de hormigón, vomitando amor, conductas de autodestrucción“.  Un pasaje meramente instrumental antecede  a la iluminadora sentencia final: “A veces pienso  que el futuro no existe, pero el dolor nos cobija”. 

Munlet. Foto: Art No
El siguiente corte “Luna Pequeña” es otro instrumental de costura perfecta que no llega a un minuto. Una pequeña pieza calmada y un tanto siniestra que inspira una paz inquietante. Por su parte “Litio” tiene todo lo mejor de la banda con esa capacidad tan espectacular de conseguir canciones envueltas de pasiones en arreglos que mezclan “luces, agujas, ACCION”, luminosidad melódica, agujas procuradas por guitarras en distorsión o con detalles espectaculares de teclados, y esa acción que inspira la inmejorable aportación rítmica. Otro tema deslumbrante a la par que turbador “filmando tu muerte” con letras que nos dejan anonadados.     

A continuación nos ofrecen “Ausencia”, canción que tiene un inicio juguetón de efectos con halo de inocencia tras los  que aparece la voz sensual  de Anita acompañada magistralmente por un cúmulo de ritmos y acordes, más efectos, de pop oscuro. De este modo, nos envuelven con un manto agridulce de reflexiones amorosas: “navegando por mares de espuma, es tu llanto mi canción de cuna, tu sonrisa mis ganas de amar…. Y no, no puedo estar sin ti”. Llegamos así al flamante estribillo “buscándote, y no estás, y cada día viene y va”. La música se expande como “esos rayos de sol en potencia”. Una maravilla de canción que despierta los sentidos, con una parte instrumental muy cautivadora de teclado, contribuyendo  a engrandecer tanta belleza exquisita.    
 
Munlet. Foto de su facebook
Llegamos de este modo a “Chupacabras”, tema que da título al disco con su “psicodelia aventura, atornillándote la mente… con sonoras vibraciones…”. Canción demoledora de registros portentosos que crecen compás a compás como “carne densa” para el “chupacabras”. Sonidos escalofriantes y guitarras como “monos saltarines” dan forma a un tema salvaje en la que la banda consigue que enloquezcamos de pasión, “al otro lado, en contra siempre” para acabar con esos acordes mortuorios espeluznantes. Acaba el disco de vinilo con “(Yo quiero ser) Chus Lampreave”, sentido homenaje a la actriz española, “con gran corazón”, nacida en Madrid el 11 de diciembre de 1930 y fallecida en Almería el 4 de abril de 2016.  Tema de rítmica alocada en la que destacan su capacidad de “ser secundaria y llevarlo bien…descubrir la verdadera interpretación”.

Reflexión final  

Munlet. Foto: Beris.
“Chupacabras” encumbra la magnífica trayectoria de los Munlet con canciones persuasivas,  repletas de matices y detalles muy personales que nos invitan a escucharlas una y otra vez. Un disco apasionante y memorable que será, sin lugar a dudas, uno de los más sobresalientes  de este año.  Estamos ante el trabajo de unos auténticos genios, de cuyo enorme criterio y persistente trabajo nacen sensuales melodías con las que musicalizan letras penetrantes entre procesos de  rítmica industrial y múltiples efectos, tan divertidos como, en ocasiones, inquietantes.  Por suerte, no va a ser su mejor disco porque siempre lo acaba siendo el siguiente pero se acerca, y mucho, a la perfección absoluta para disfrute tanto de fans de la banda como de aquellos que buscan en la música una persuasiva amalgama de lírica y sonidos, ideal e ingeniosa, que nos  proteja de los seres críptidos dispuestos a sorbernos, sin escrúpulos, esos momentos únicos de felicidad absoluta que anhelamos para sentirnos más libres y ajenos a la mediocridad reinante gracias a proyectos tan imaginativos como el de los Munlet.     

Nota: Puedes escuchar y adquitir el disco en el bandcam de Munlet,  Kotj Records, o Ghost Highway. Te invitamos a visionar también su videoclip del tema "Chupacabras".

martes, 29 de noviembre de 2016

Fallece Carlton Kitto, la leyenda del jazz de Kolkata

Carlton Kitto

Carlton Kitto nació en 1942 y falleció el 28 de noviembre de 2016. Guitarrista de jazz, que se ganó la vida tocando en restaurantes y tocó con grandes maestros, fue uno de los grandes intérpretes de su país la India. Un documental llamado  “Finding  Carlton”  de 2013 del director Susheel Kurien, traza el camino de la escena del jazz de la India a través de la música de Carlton Kitto.

Kitto comenzó su carrera en Chennai (Madrás) en los años sesenta influenciado por Benny Goodman, Frank Sinatra y Bing Crosby. En 1973 se trasladó a Kolkata (Calcuta), donde empezó a tocar en la banda de un restaurante llamado Moulin Rogue de Park Street. Dos años después se cambió a otro restaurante llamado Mocambo. Se convirtió en profesor de jazz y guitarra en la escuela de Calcuta. También tocó con  Sonny Rollins, Clark Terry, David Leibman, Larry Coryell, Chico Freeman y Charlie Byrd, incluido  Ravi Shankar.

Carlton Kitto
Kitto estaba en el apogeo de su carrera cuando en 1977 el gobierno del Frente de Izquierda de Bengala Occidental impuso un fuerte impuesto sobre las facturas de restaurantes y discotecas que hasta entonces habían patrocinado bandas de jazz y artistas. La gente se negó a pagar. Las peleas comenzaron y, al final, los propietarios dejaron de contratar músicos. 

Además de eso, la escena del jazz cambió de Calcuta a Mumbai (Bombay). El compositor Louiz Banks se trasladó a Bombay, y además de trabajar con RD Burman, pasó a componer más de 8.000 jingles en los próximos 15 años. Una de las muchas películas basadas en el músico, “Finding  Carlton”  de 2013 del director Susheel Kurien, traza el camino de la escena del jazz de la India a través de la música de Carlton Kitto.

Resulta muy decepcionante que alguien de su habilidad musical fuera relegado a una pequeña habitación en las calles traseras de Calcuta. Pero Carlton siempre se mantuvo fiel a sus raíces musicales y al Jazz. Todo un símbolo y leyenda en los anales del jazz indio. 

Documento sonoro:

Carlton Kitto en directo. 



Fallece Ray Columbus de los Invaders y Art Collection

Ray Columbus
Raymond John Patrick "Ray" Columbus nació en Nueza Zelanda el 4 de noviembre de 1942 y falleció en North Auckland el 29 de noviembre de 2016. Fue un cantante y compositor, presentador de televisión, manager, con una carrera que abarca seis décadas. Lideró la banda Ray Columbus and the Invaders, un combo de rock and roll que derivó al mersey beat y que tuvo éxito con el tema “She’s a Mod”.  Se trasladó a mediados de los sesenta a California donde formó las bandas de "garage" psicodélico Newcastle Five convertida en The Art Collection, y rechazó formar parte de los Monkees, así como también se negó a crear un proyecto con Crosby y Clark de los Byrds. 

En 1959 creó The Dominoes y formó parte de los Downbeats Band que más tarde se convirtieron en Ray and the Drifters. La formación con los Invaders se formó en Christchurch, al estilo de Cliff y los Shadows. Se trasladaron a Australia donde consiguieron un número uno con el tema "She's a mod" en 1964. Acompañaron a Eden Kane, Del Shanon, y en 1965 a Roy Orbison en una gira. Al parecer el manager de la gira les dijo que no trajeran sus guitarras. En el primer concierto les facilitaron guitarras Fender Jazzmaster y Fender Jazzbass. La gira llevó por nombre "Big Beat '65" y participaron Roy Orbison, Rolling Stones y los Newbeats. Ellos también tocaron con su propia formación. Recorrieron Nueva Zelanda y Australia. 

Art Collection
A principios de los sesenta sacaron varios singles con canciones como “Ku-Pow”, “Money Lower”, o versiones de los Beatles como “I Saw Her Standing There”. En 1963 sacaron un Lp “Every Night” con Billy Kristian al bajo, Jimmy Hill a la batería, Dave Russell y Wally Scott a las guitarras, y Ray Columbus a la voz principal. Triunfaron con el tema de Terry Beale de los Senators “She’s a Mod” en 1964. Ese mismo año sacaron los temas “Yo-yo”,  más “I wanna be your man”. En 1965 sacaron el álbum “Original Numbers” con los singles "C'mon and Swim",  "Till We Kissed"  y “Where Have You Been". Ya en 1966 vio la luz el sencillo con "We Want a Beat".  

Ray Columbus
Cuando se separaron en 1965, Ray se trasladó a los Estados Unidos donde formó con Rich Martin la banda psicodélica Newcastle Five, que se renombraron como The Art Collection. Sacaron cuatro singles para el sello Colstar con temas como "Kick It". Se separaron y a Columbus le ofrecieron una audición con los Monkees que rechazó. También rechazó unirse a David Crosby y a Gene Clark tras dejar los Byrds. Se convirtió en manager de grupos. 

A finales de los noventa dirigió la banda de rock Zed. En 2004 padeció un ataque al corazón y un accidente cerebral en 2007 que le dejó parcialmente inmóvil.  

Documentos sonoros: 

"She's a Mod" interpretada por Ray Columbus y los Invaders 


Ray Columbus y los Art Collection con "Kick it"