miércoles, 20 de septiembre de 2017

Fallece Johnny Sandlin, productor y componente de los Hour Glass

Johnny Sandlin
John Everett Sandlin Jr. nació el 16 de abril de 1945 en Decatur (Alabama) donde falleció el 19 de septiembre de 2017. Fue un afamado ingeniero de sonido y productor conocido por sus trabajos con bandas como Allman Brothers Band, Widespread Panic, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit. También fue guitarrista y bajista de sesión en los FAME estudios y formó parte de grupos de R&B como los Hour Glass dodne tocó la batería. 

Sandlin estudió en la Athens State University. Formó parte de la banda de R&B Hour Glass, con base en los Ángeles en la que estuvieron dos de los futuros miembros de la Allman Brothers Band, Duane Allman y su hermano Gregg, más tres futuros músicos de estudio del mundialmente famoso Fame Studios en Muscle Shoals, Alabama: Pete Carr, el mencionado o Johnny Sandlin y Paul Hornsby. La banda se creó con components de los Allman Joys (con base en Florida) y The Men-its (con base en Alabama). A principios de 1967 conocieron en un concierto en St. Louis, Missouri a miembros de la Nitty Gritty Dirt Band, cuyo gerente, Bill McEuen, les arregló un contrato con Liberty Records.



Hour Glass

Se trasladaron a los Angeles y grabaron un disco de título homónimo con Gregg Allman al órgano, piano y voz; Duane Allman a la guitarra y voz; Paul Hornsby al piano, órgano y voz; Johnny Sandlin a la batería; y Jesse Willard (Pete) Carr al bajo, y guitarra; más Mabron McKinney al bajo. En el escenario, el grupo rara vez interpretó temas del álbum, prefiriendo material original de Gregg Allman junto a versiones de Otis Redding y canciones de los Yardbirds. Mabron McKinney fue substituido por Bob Keller, grabando un seguhdo album llamado "Power of Love" con el bajista Pete Carr. Tampoco tuvieron gran repercusión y se trasladaron a los estudios FAME cuyas pistas fueron rechazadas por el sello Liberty. El grupo se desanimó y se separaron. Duane y Gregg Allman se trasladaron a Jacksonville, Florida formando parte de los 31st of February, con el baterista Butch Trucks, y el resto se quedó como músicos de sesión en Muscle Shoals.



Hour Glass
Liberty Records les amenazó con demandarles por su disolución y para evitarlo Gregg Allman les dio los derechos de un álbum en solitario. Ese disco no vio la luz hasta 25 años más tarde en las reediciones de los dos álbumes del grupo. Con su hermano en Los Angeles, Duane Allman se unió temporalmente a sus compañeros de banda en Muscle Shoals, donde conoció al baterista J. Johanny "Jaimoe" Johanson y se interesó por el bajista Berry Oakley de la banda de Jacksonville de psicodelia, the Second Coming. Más tarde formarían la Allman Brothers Band.


Sandlin comenzó a producir álbumes como el "Ton-Ton Macoute" de Johnny Jenkins (1970), pasó a mezclar los discos de la Allman Borthers Band, "Fillmore East" (1971) y "Eat a Peach" (1972), así como producir "Brothers and Sisters" (1973), y "Win, Lose o Draw" (1975). Trabajó con gran variedad de bandas, incluyendo la banda de Georgia Widespread Panic en su álbum de debut, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit.


Documento sonoro:

"Nothing but tears" de Buddy Scott y Jimmy Radcliffe intepretada por los Hour Glass.




martes, 19 de septiembre de 2017

Pat Todd y sus Rankoutsiders siguen creciendo con canciones espectaculares al margen del fracaso mediático

Portada 7"
Al escuchar la banda de Pat Todd & The Rankoutsiders, uno experimenta la sensación de que está compartiendo todo lo aprendido por este "grande" durante su larga como fructífera trayectoria. Es decir, toda una clase intensa de rock and roll aderezado con la tradición folk y punk americana.  La verdad es que resulta un auténtico lujo para los sentidos. Con su peculiar voz rugosa, arropado por una banda muy bien conjuntada, entre ritmos acelerados o tempos sensuales, su obra sigue siendo un ejemplo a seguir para todos aquellos que aman profundamente las raíces. Además, su obra resulta un correctivo importante para aquellos otros que, desde la atrevida ignorancia, creen haber inventado aquello que este gran músico lleva en las venas desde mediados de los ochenta sin que haya perdido ni un ápice de credibilidad en todo este tiempo.  Aunque él nos hable de realidades, de fracaso, de caídas, de su poca repercusión mediática, en cualquiera de las canciones de Pat Todd confluyen unas circunstancias especiales y una forma única de entender la música que resulta especialmente apasionante como es el caso de este par de temas que han editado, de forma limitada este 2017, los sellos KOTJ Records, Ghost Highway Recordings, y Beluga Records.       
       
Trayectoria

Pat Todd fue el líder, cantante y guitarrista de la banda de los Ángeles, The Lazy Cowgirls formada originalmente en Vincennes, Indiana. Durante dos décadas grabaron varios  singles y álbumes para sellos como Restless con los que debutaron en 1985, Sympathy For the Record Industry, Crypt, Bomp, Gearhead y Reservation con los que sacaron su último disco “I'm Goin' Out And Get Hurt Tonight” en 2003. La formación original se completaba con D.D. Weekday (alias Doug Phillips) a la guitarra hasta 1995, Keith Telligman al bajo hasta 1991 y Allen Clark a la batería hasta 1991. Después pasaron otros componentes como los guitarristas Michael Leig (1993-2004), Eric Chandler (1997-1998), y Rick Johnson  (1998-1999); el bajista Leonard Keringer (1995-2004); y los bateristas Ed Huerta (1993-1995), Bob Deagle (1997-2000) y Roy J. Morgan (2003-2004).

Pat Todd
Tras los Lazy Cowgirls, Pat continuó su carrera arropado por los Rankoutsiders  grabando su primer disco en 2006 con el título de “The Outskirts Of Your Heart” autoeditado por Rankoutsider Record y reeditado en 2016 por Hound Gawd records. Estuvo acompañado por  Michael Leigh, Tony Hannaford y Nick Alexander a las guitarras, Rick Johnson al bajo, y Bob Deagle a la batería, entre otros. Para la producción contó con el guitarrista de Sparks,  Earle Mankey (The Cramps, Concrete Blonde, The Beach Boys, Possum Dixon). Le siguieron otros discos con el mismo sello propio como “Holdin' Onto Trouble's Hand” (2008), “14th & Nowhere...” (2013) Y “Blood & Treasure” (2016) que salió con Hound Gawd records. Por el camino también ha sacado sencillos con temas como “Cos, I'm Bound Ta Lose / It's All Over Now Baby Blue” (2013) editado por la madrileña  Ghost Highway Recordings.

Este sencillo que te presentamos contó con Pat Todd a la voz y percusión, Nick Alexander a la guitarra y coros, Kevin Keller a la guitarra y coros, Rick Johnson al bajo y coros, y Bobby D. a la batería. De nuevo fue producido por Earle Mankey más Pat, con arreglos de la banda, fue grabado y masterizado en Earle’s Rankoutsider Wreckroom en Thousand Oaks  (California).  Se trata de una edición limitada a 250 copias.  El dibujo de la portada es de la novela negra “The Private Eye” (1957) de Cleve F. Adams. 


Las canciones

Pat Todd and The Rankoutsiders
En la cara A nos ofrece el tema ese “Know ta stumble / Know ta fall”, una tormenta de R&B acelerado, con la enérgica voz de Pat acompañado por esa fiera banda que le respalda  mediante un dominio del tempo y los riffs imaginativos, sin que falte ese estribillo de puño en alto con el que logrará que enloquezcas como es debido en un tema de auténtico rock and roll.   No falta un aguerrido solo de guitarra eléctrica que aporta matices desgarradores  y ese cambio de armonía que dimensiona el tema en los compases finales entre golpes certeros de bajo y batería.  

Pat Todd and The Rankoutsiders
En la B, disfrutamos y mucho de la canción “Failure is my name”, aguerrida, sensual y divertida exhibición de matices guitarreros corrosivos, coros de “pub rock”, momentos de folk punk, voz en estado ácido, y melodías sublimes que tienen la impronta de genios que logran emocionarnos mostrándose en todo su esplendor, pese al “fracaso”, conjugando los ritmos con persistencia y aportando solos salvajes de guitarras descarnadas.    


Reflexión final:

Pat Todd and The Rankoutsiders
Músicos y amigos de Pat Todd solo tienen palabras de admiración hacia un hombre que lo ha dado todo por el rock and roll, con humildad y pasión a raudales. Un hombre que conoce la caída aunque como el mismo dice en su web:   "He mejorado, eso es lo principal que debes intentar hacer en la vida: crecer y mejorar". Y no hay duda alguna de que, gracias a su perseverancia, sigue demostrándonos todavía su enorme fuerza y originalidad creativa. Habrá quien prefiera, sin remisión, esos jóvenes y no tan jóvenes, tan arrogantes como prescindibles, mediocres que creen haberse inventado lo que tú y yo sabemos que existe y seguirá haciéndolo por mucho tiempo. Que hagan lo que quieran , por supuesto, pero yo me quedo con artistas como éste capaces de dar vida a canciones tan demoledoras, efectivas, sencillas y convincentes como las dos que se incluyen en este single editado por estos tres magníficos sellos que son KOTJ Records, Ghost Highway Recordings, y Beluga Records.  Pat Todd seguirá siendo un grande porque tiene lo  necesario para dar vida a canciones memorables. Respaldado por sus hábiles y entregados Rankoutsiders, crece y mejora  desde la modestia, más inspirado que nunca y con el único dogma de fe que: “Music is Always Better Loud”.   

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de KOTJ donde tambièn podrás adquitir una copia. Disponible también en Ghost Highway recordings 

lunes, 18 de septiembre de 2017

Fallece Wm Berger de los Uncle Wiggly

Wm. Berger
William M. “Wm.” Berger falleció el 12 de septiembre de 2017 tras una breve enfermedad. Fue componente del grupo de finales de los ochenta y los noventa,  Uncle Wiggly. También grabó como World (of Dreams) y Sinistre!, trabajó en la radio, y en los estudios Prison Tatt Records. 

El grupo Uncle Wiggly se creó en 1988 en Nueva York con Wm. Berger de la WFMU radio con dos componentes de la banda neoyorquina Fly Ashtray: James Kavoussi y Michael Anzalone. Wm. Berger y James Kavoussi se alternaban en la guitarra y la batería mientras Michael Anzalone tocaba el bajo. Los tres cantaban y componían. En sus canciones mezclaban los primeros Pink Floyd con el Krautrock más la primera hornada de la SST Records, Meat Puppets o The Minutemen. 

Uncle Wiggly
Su primer disco salió con Nur Scheiss (Austria) con el título de “He Went There So Why Don’t We Go?”. Después firmaron con Shimmy Disc y editaron “Across the Room and Into Your Lap” en 1991, con Mark Kramer en las mezclas. Durante su gira por Europa en 1991, un conductor del equipo dijo la frase "There was an Elk!" que se convirtió en el título de su tercer álbum autoproducido, lanzado con Shimmy Disc en 1992. En 1994 sacaron temas inéditos en cassette y en 1995 grabaron el álbum "Ep Non-Stuff con los británicos Hemiola Records. Le sucedió el álbum “Jump Back, Baby” en TeenBeat Records en 1996 y un disco instrumental llamado “Farfetchedness” en 1999 con Dark Beloved Cloud.  

Kavoussi siguió tocando con Fly Ashtray y Gimme 5, además de grabar como Phoaming Edison. Wm. Berger grabó bajo los nombres de World (of Dreams) y Sinistre!. También fue operador en los estudios Prison Tatt Records. 

Documento sonoro:

Uncle Wiggly y "Behold!". 


Muere el percusionista Laudir de Oliveira


Laudir de Oliveira
Laudir Soares de Oliveira nació en Río de Janeiro (Brasil) el 6 de enero de 1940 y falleció el 17 de septiembre de 2017. Músico y productor, fue conocido por su etapa como percusionista de la banda Chicago desde 1973 a 1980. Colaboró con muchos otros como Sérgio Mendes, Joe Cocker, Chick Corea, Gal Costa, Airto Moreira, Flora Purim, Carlos Santana, Wayne Shorter y Nina Simone.


De Oliveira comenzó a trabajar profesionalmente como músico en la década de los sesenta acompañando a otros músicos brasileños como Sérgio Mendes y Marcos Valle. En 1968 se trasladó a los Estados Unidos. Acreditado simplemente como "Laudir" también apareció en el álbum de debut de Joe Cocker de 1969, tocando en el tema "Feelin 'Alright". En 1973, de Oliveira fue invitado a tocar con Chicago en su sexto álbum.


Chicago
Después de grabar los álbumes "Chicago VI" (1973) y "Chicago VII" (1974) como músico de estudio, De Oliveira se unió oficialmente a la banda en 1975. La mezcla de jazz-rock y el ritmo brasileño aportado por Laudir se deja notar en grandes éxitos del grupo como "Happy Man", "Call on Me", "Mongonucleosis" y "If You Leave Me Now". Después apareció en otros discos del grupo desde "Chicago VIII" (1975) a "Chicago XIV" (1980). Por otra parte también cantó en el tema "You Get It Up" de Chicago X (1976) y es coautor de "Life is What It is" del disco "Chicago 13" (1979).
Paralelamente, De Oliveira continuó trabajando como músico de sesión y en 1978, grabó con The Jacksons el álbum "Destiny". Ya en los ochenta los Chicago se tornaron más pop y De Oliviera dejó el grupo substituyéndole Bill Champlin. Pasó los siguientes cinco años en Los Ángeles, colaborando como músico de sesión con Chick Corea, Gal Costa, Airto Moreira, Flora Purim, Carlos Santana, Wayne Shorter y Nina Simone, antes de volver a Brasil en 1987.


Laudir de Oliveira
Vivió en Río de Janeiro, donde fue Director Cultural de la Universidade do Grande Rio. En septiembre de 2010 se reunió con Chicago con motivo de un concierto de la banda en el HSBC Arena de Río de Janeiro, interpretando "Happy Man". En abril de 2016 apareció tocando con el ex baterista de Chicago, Danny Seraphine, y el ex guitarrista de Chicago Donnie Dacus en una actuación en Nueva York tras la entrada en 2016 de Chicago en el Rock and Roll Salón de la Fama.


Documento sonoro:


Chicago y "You Are On My Mind" con la percusión de Laudir de Oliveira. Los Chicago más brasileiros cuya música impactó mucho en las orquestas de baile de los setenta de todo el mundo.




Muere Fred “Freak” Smith de los Strange Boutique, Blaxmyth y Beefeater

Fred "Freak" Smith 
Fred "Freak" Smith murió en un parque del Valle de San Fernando (Losd Ángeles) el martes 8 de agosto de 2017, después de ser apuñalado por un asaltante desconocido. Tenía 55 años.  Fred "Freak" Smith fue el guitarrista de la banda gótica Strange Boutique, la banda "ghetto metal" Blaxmyth y su banda más conocida y venerada, Beefeater, entre muchos otros.  Entusiasmado por la música desde los seis años, según recordaba su madre, Deloris Smith, al periódico local  San Fernando Valley Sun, entre los 12 y los 14 empezó a tocar en bandas. Heredó su predisposición artística de su padre  Fred Sr., quien ya había cantado en una banda de doo-wop.


Beefeater estuvieron activos de 1984 a 1986 con Tomas Squip, a La voz, Fred "Freak" Smith a la guitarra, Dug E. Bird (Birdzell) al bajo y Bruce Atchley Taylor a la batería. Fueron una de las bandas más importantes de la escena punk hardcore de Washington, D.C. conjuntamente con Embrace y Rites of Spring, de mediados de los ochenta.  Debutaron con un Lp “Plays for Lovers” editado en 1985 por Dischord Records. Le siguió “Ned a job” (1986) con  Mark "Two-Chair" Shellhass a la batería, y “House Burning Down” (1987) con Kenny Craun a la batería, y con la banda ya separada.  Squip y Birdzell formaron Fidelity Jones; Craun tocó con Rhythm Pigs, y  Fred "Freak" Smith tocó con los Strange Boutique con Danny Ingram, Monica Richards, y Steve Willett. Grabaron los discos “The Loved One” (1991), “Charm” (1993), y “The Kindest Worlds” (1994). 

Documento sonoro: 

"Mr. Silverbird" de los Beefeater 


domingo, 17 de septiembre de 2017

Fallece Marv Gellman de los Beach-nuts

Marv Gellman 
Marvin Gellman falleció el lunes 11 de septiembre de 2017. Fue baterista, miembro de la banda de “garage” de los sesenta,  The Beach-nuts, o The Beech Nuts, formada en Point Pleasant Beach, New Jersey, en 1963. Durante los últimos años trabajó con Ketchum, una agencia norteamericana de relaciones públicas. Falleció a causa de la leucemia que padecía.  La banda grabó un solo single muy conocido entre los coleccionistas del garage "My Iconoclastic Life". Aunque coincidieron en sello y en nombre, no tienen nada que ver con el grupo de estudio en el que estuvo Lou Reed.  

Sus componentes se conocieron en la escuela: Keith MacGregor (guitarra solista), Bill Ross (guitarra rítmica), Clyde Snyder (bajo), y John Scanlan (baterista). Empezaron tocando temas de los Ventures y en 1964 ganaron un concurso local que les permitió tocar en Nueva Jersey, en la Feria mundial de Nueva York.  

The Beach-Nuts
Con el boom de las bandas británicas de beat, buscaron un vocalista. Scanlan fue substituido por Marv Gellman a la batería, y Lowell Stanley se convirtió en vocalista y saxofonista.  Salieron por la tele y el 6 de enero de 1966, el grupo grabó en los Gotham Studios en Manhattan un álbum compuesto por cinco versiones de temas como "Hang on Sloopy", “Hi-Heel Sneakers”, “Whittier Blvd”, “It's Alright”, and “Club a Go Go". El disco fue autoproducido y vendido en los directos.


The Beach-Nuts 
El padre de MacGregor, quien ya les estaba ayudando, les consiguió  una sesión de grabación en los Majestics Studios donde grabaron su primer y único single. En su cara A está  “My Iconoclastic Life” y en la B “Nature's Company”. Fue lanzado en febrero de 1966 con Pickwick Records. Se separaron en 1967 cuando Gellman y Stanley se fueron a la universidad.  Volvieron a reunirse en los ochenta y el 16 de enero de 2016, tocaron juntos en un evento llamado  "Surfer's Garage" con todos los miembros originales y el guitarrista Tyler Sherman. 

Documento sonoro:

"My iconoclastic Life" de los Beach-Nuts 



viernes, 15 de septiembre de 2017

Eva Ferrera, fotógrafa del Magic Pop, expone en la colectiva de artistas del CC Parc Sandaru de Barcelona

Eva Ferrera. Foto: Magic Pop 
Del 14 de septiembre al 4 de octubre se puede ver, en el  Centre Cívic Parc Sandaru de Barcelona, una aproximación retrospectiva a la obra fotográfica de Eva Ferrera, también conocida artísticamente com Ivy Lot_. La exposición es colectiva y, bajo el título genérico de "Parc d’Artistes", nos ofrece también muestras del trabajo de otros buenos fotógrafos como son Marta Cornejo quien expone con el epígrade de "Llum", Eustasio Pérez con "Girona, temps de flors. 62ª edició" y Jiri Adamovsky con su "The Horizons of Zen".

Detlale de su aportación fotográfica. Foto: Magic Pop
Como bien sabes, Eva Ferrera es la fotógrafa oficial del Magic Pop. Con el Grado de fotografía por la IEFC (2008), está especializada en fotografia de espectáculos, postproducción y catalogación de archivos fotográficos.  Su aportación a la muestra en el Parc Sandaru se agrupa con el título de "Música i Dansa" (2010-2017) y está compuesta por diez fotografias de espectáculos de danza contemporánea a cargo de Israel Galván, Marcos Vargas y Chloé Brûlé, Lunacollectif, Cia. Liatse, y Tallers Deltebre; así como de música con imágenes de Los Negativos en su pasada actuación en la sala Zero de Tarragona (+ info), Carles Santos, Pascal Comelade, Hidrogenesse, y El Columpio Asesino.      

Eva Ferrera, Eustasio Pérez, Manel Sanz (org.). Foto: Magic Pop

El acto de inauguración de la exposición tuvo lugar la tarda del día 14 de septiembre de 2017 con la presencia de responsables del Centre Cívic, de la muestra y fotógrafos. El Centre Cívic Parc Sandaru está ubicado en la calle Buenaventura Muñoz, 21 (Arc de Triomf) de Barcelona. La entrada a la exposición es libre y el horario de visita de la muestra es de 8 a 10 horas de lunes a viernes y de 10 a 14 horas los sábados.

jueves, 14 de septiembre de 2017

Muere Grant Hart de los Hüsker Dü

Grant Hart
Grant Hart, nacido Grantzberg Vernon Hart el 18 de marzo de 1961 en St. Paul, Minnesota, ha fallecido el 14 de septiembre de 2017 a consecuencia del cáncer que padecía. Fue baterista y compositor de la banda de rock alternativo y punk hardcore Hüsker Dü en el que participó en la composición de temas como "The Girl Who Lives on Heaven Hill" y "Turn on the News".  Tras la ruptura del grupo en 1988 formó el trío de rock Nova Mob, donde pasó a cantar y tocar la guitarra. En 1997 se volcó en su carrera en solitario. 

Cuando Hart tenía 10 años, su hermano mayor fue atropellado mortalmente por un conductor en estado ebrio. Hart heredó la batería y los discos de su hermano, y pronto empezó a tocar en bandas, aunque le interesaban más las bandas sonoras de películas y canciones de éxito de los cincuenta y sesenta. Hart conoció a Bob Mould mientras trabajaba en una tienda de discos. 

Hüsker Dü
Hart, a la batería, formó Hüsker Dü en 1979 con Bob Mould, a la guitarra, y su amigo Greg Norton al bajo. En un primer momento les ayudaron sus padres. En el caso de Hart, su madre le permitió usar la copiadora de la cooperativa de ahorro y crédito donde trabajaba para hacer folletos y les facilitó un préstamo para lanzar el primer single de la banda en su propio sello Reflex Records en 1981. Por esa época Hart estaba desempleado. En 1982 sacaron su primer Lp, “Land Speed Record”. Hart escribió dos canciones para el Ep “Metal Circus”  de 1983, "Diane" y "It's Not Funny Anymore". Hart acabó etiquetado  como el "hippie" del grupo debido a su pelo largo y por tocar la batería con los pies descalzos. Incluso sus canciones resultan más finales de los sesenta que punks, en contraste con los temas más amargos de  Mould.

Entre Hart y Molud surgieron tensiones varias aunque siguieron sacando grandes obras como “Zen Arcade” (1984) y todos los discos posteriores hasta su separación. Hüsker Dü dejó el hardcore atrás, a lo que Hart comentaba: "No tenemos que convencer al mundo de que estamos sufriendo para convencerlos de que somos artistas ... No hay nada malo en ser feliz". Hart diseñó la mayor parte de las portadas de los discos de Hüsker Dü.

Grant Hart
En 1986 Hüsker Dü se convirtió en una banda clave de la escena indie y firmó con Warner Bros. Sin embargo, las tensiones dentro de la banda empeoraron. Hart se convirtió en adicto a la heroína y le diagnosticaron VIH positivo a mediados de ese año. La banda se disolvió después de un directo en Columbia, Missouri en 1987. Hart estaba tratando de dejar la heroína usando un suministro de metadona, pero siguió bebiendo.  Seis meses después de la ruptura de Hüsker Dü, Hart descubrió que su diagnóstico como seropositivo era incorrecto. En 1988 lanzó el EP en solitario, “2541”, en el sello de Hüsker Dü SST.  El título refleja la dirección de la oficina de su ex banda y local de ensayo, donde habían vivido en un tiempo.  Después sacó el disco "Intolerance" y el EP "All of My Senses" en 1989 y 1990, respectivamente. A finales de 1989, formó una nueva banda, Nova Mob, con Michael Crego en la batería, Tom Merkl al bajo, y él mismo como guitarra. La banda tomó su nombre del libro “Nova Express” de William Burroughs. Sacaron su primer EP “Admiral of the Sea” y el álbum “The Last Days of Pompeii” en 1991. Después se incorporaron Marc Retish y Steve Sutherland a la batería, más Chris Hesler a la guitarra principal. Nova Mob se disolvieron tras el último disco, de título homónimo (1993) y una gira final.

Grant Hart
Hart volvió a grabar en solitario con el lanzamiento del álbum en vivo “Ecce Homo” en 1995 y “Good News for Modern Man” a finales de 1999. En 2005 Hart y Mould se reunieron en el concierto benéfico de Karl Mueller, el bajista de Soul Asylum, que entonces estaba luchando contra lo que resultaría ser una batalla perdida contra el cáncer.

Hart grabó su siguiente álbum en solitario, “Hot Wax” (2009) en Montreal y Minneapolis. Trabajó con Godspeed You Black Emperor y con el grupo belga Arsenal. Le siguió otro disco doble llamado “The Argument” (2013) basado en el “Paraiso Perdido” de John Milton. 

Documento sonoro: 

Grant Hart en solitario canta y toca la guitarra en su tema para los Hüsker Dü, "Diane", en 2013.

Los Little Cobras finalizan su original proyecto tras diez años dando lo mejor del rock and roll: su sencillez pasional


El último 7" de Little Cobras en el congelador
El pasado 10 de agosto de 2017, se despedían los Little Cobras con un concierto en Sevilla, dentro del ciclo Pop CAAC en compañía de Guadalupe Plata.  Por última vez, este sensacional trío convencía y divertía a un nutrido grupo de fans incondicionales, mediante su original fórmula basada, principalmente, en la complicidad y la sencillez pasional del rock and roll. Además, como última genialidad, la banda ha editado un nuevo single, ya agotado,  en el que  han incluido dos temas: una versión muy suya del tema “Plain Gold Ring” que fuera interpretado por Nina Simone en los sesenta, más uno propio titulado “Rotten Seafood”.  Por otra parte, han puesto a nuestra disposición un contundente directo "The Nagra Sessions" grabado en el local de ensayo y que puedes escuchar en su bandcamp.  El 7” en vinilo se presenta dentro de un sorprendente e hilarante artwork envasado por Beatnik Moon R´N´R Crafts. Fue grabado, con colaboraciones especiales, en los estudios del gran Maxi Hollers. Todo un lujo de  detalles ciertamente únicos a modo de colofón para una impecable trayectoria musical.

Termina uno de los proyectos más enriquecedores de nuestra escena. Una banda altamente creativa, como pocas, favorita personal de este vuestro Magic Pop, que perdurará en nuestra memoria colectiva por mucho tiempo. Desde luego, se han ganado un merecido descanso tras el que nos aseguran que volverán con energías renovadas. A la espera de esos proyectos futuros, éstas son algunas de las posibles impresiones que nos genera el último disco de “los más frescos del Puerto”.     

Trayectoria

Los Little Cobras se formaba a mediados de la década de los dos mil en el Puerto de Santa María (Cádiz).  Ellos son los hermanos Sergio Rejano (guitarra y voz) y Daniel Rejano (guitarra y voces) más Raúl Rivas (batería). Daniel también era el bajista de la banda Perro Peligro quienes daban su último concierto en 2013.

En el bandcamp de los Little Cobras puedes oír las canciones que fueron grabadas para dos de sus primeros trabajos: uno de ellos con título homónimo en el que destacan canciones como “I.S.A” y “Shake Down”. Estos dos temas fueron editados en un Split en 2009 con los Hollers por el sello sevillano llamado entonces Monterrey Discos y después Saturno records. Su segundo trabajo llevaría por título “Tiger In Your Tank” con ocho temas entre los que se encuentran las cuatro canciones que integran el Ep que Rufus Recordings editaba en vinilo naranja en el verano de 2012. Las canciones son “Shake, shout & Roll” más “Fish fry special” en la cara A; y “Already gone by” más “El Matarife” en la cara B. Ese segundo trabajo también contiene temas cantados en castellano, sin desperdicio alguno, como “Dime lo que buscas” o “No te quiero volver a ver”.  

Artwork
Le siguió un nuevo disco “Songs for Dogs and Planets” (2013) del que puedes leer una crítica también en nuestro blog.  Los temas son originales de la banda menos los temas que cierran tanto la cara A como la cara B y que son, respectivamente, una versión del "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan; y una adaptación del "Wanted Dead or Alive" de Kim Fowley y M. Cerf.     

Artwork
Su siguiente álbum “Fire Monkey” (2016) fue grabado en Hollers Analog Studio por Máximo RB, masterizado en Kadifornia por Mario G. Alberni. Colaboraban en el tema “Bubble” Isabel Guerrero  y Victoria Cansino aportando voces. El diseño e ilustración, con esa magnífica ambientación selvática repleta de colorido es de Pedro Perles, amigo del grupo y responsable de la mayoría de sus fabulosas portadas.  De esos trabajos discográficos puedes leer reseñas en nuestro blog entrando aquí.  Cabe mencionar también que son los factótums del Rock Action Sur, una serie de conciertos.

Grabador de cinta Nagra IV

El single se grabó en Hollers Analog Studio por Máximo RB. Fue masterizado en Kadifornia por Mario G. Alberni. El sintetizador en “Plain Gold Ring” lo toca Jesús Guisado, y los saxos en “Rotten Seafood” corren a cargo de Lidia Pérez. El disco está envuelto en un sorprendente diseño semejando una bolsa para congelar con un anillo, arañas y camarones de plástico. Se  publica con la discográfica Beatnik Moon resucitado para la ocasión por sus capos Jesús Racer y José Luís Cochambre, responsables del diseño.

“The Nagra Sessions” se grabó en directo en el local de ensayo con un grabador de cinta Nagra IV y luego masterizado en Kadifornia Mastering.  Nos indican que, por la configuración de bandcamp hay un pequeño espacio entre las 20 canciones que no debería estar. En breve subirán un vídeo a youtube sin pausas. 

Las canciones


Los Little Cobras
En la cara A nos ofrecen la fascinante versión del tema “Plain Gold Ring” compuesta por Earl Burroughs y cantada por Nina Simone. Fue editada en 1960 por Bethlehem Records como cara B del tema ‎”You'll Never Walk Alone”. Los Little Cobras convierten el melancólico y tribal canto de Nina Simone en una andanada de guitarras desaforadas, tan propias de su imaginario, confrontando distorsiones con riffs salvajes, entre ritmos que percuten con un poderío cavernario.  El resultado es una canción obsesiva, vigorizante, que fortalecerá tus neuronas, llevándote narcotizado de placer hasta el acelerando final.

Con Lidia Perez grabando el saxo
Y en su cara B nos ofrecen un tema propio titulado “Rotten Seafood”, otra maravilla desquiciante, repleta de candentes ideas procuradas por la rugosa voz principal, las guitarras imaginativas, la batería procurando un tempo paranoico y ese envolvente saxo aportando notas largas y fraseos fascinantes. Una tremenda canción que se completa con unos curiosos compases instrumentales finales a modo de auto homenaje. 


Reflexión final 

Little Cobras... Foto: David Moya
Este cronista se las prometía muy felices en su propósito de digerir el final de los Little Cobras pero, tras oír tan sobrecogedor directo y degustar este par de deslumbrantes canciones de su nuevo single, ya no lo tiene tan claro y duda si podrá aguantar mucho tiempo antes de que los componentes de este sensacional trío vuelvan a ofrecernos más muestras de su innegable talento. No me negarán que si la versión de la Nina Simone es sensacional, el tema original con el que se despiden, le deja a uno con muchísimas ganas de más. Sin lugar a dudas, son un par de canciones perfectas, sublimes, contundentes, en su más puro estilo, magistralmente sencillo y cautivador. Así que, como no hay otra, porque esto va en serio y me temo que se acabó, no nos queda otra que disfrutar por última vez de estos grandes músicos oyendo el último sencillo, ese descomunal directo y recordando su obra, ciertamente descomunal, que nunca dejará de sonar en las mejores discografías de aquellos que, más allá de los postureos y de memeces varias, somos conscientes de que esto igual que empieza, se acaba, pero vuelve, por supuesto, hasta que no podamos más porque tanto a ellos como a nosotros nos queda mucho que vivir para contar. 
  


Nota: Puedes escuchar las canciones del single y de su directo “The Nagra sessions” en su bandcamp

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Muere Matt Bellinger de los Planes Mistaken for Stars

La web PunkNews  informa que Matt Bellinger de los Planes Mistaken for Stars ha fallecido.  Matt formó parte de esta banda de punk hardcore fundada en 1997 en Peoria, Illinois, hasta 2006. Al año siguiente se separaron y volvieron en 2010. Bellinger estuvo tocando en otras bandas como Ghost Buffalo y Il Cattivo.

En 1997, el vocalista y guitarrista Gared O'Donnell formó la banda con el guitarrista Matt Bellinger, el bajista Aaron Wise y el baterista Mike Ricketts. Al año siguiente se autoeditaron un EP. Wise fue reemplazado por Jamie Drier. También lanzaron el 7 "single" Fucking Fight".  En 1999, la banda se trasladó a Denver, Colorado y grabaron su segundo disco para Deep Elm, “Knife In The Marathon”, quienes reeditaron las primeras grabaciones. Ya en 2001, firmaron con No Idea Records para sacar el Lp “Fuck with Fire”. Al año siguiente lanzaron un EP titulado “Spearheading the Sin Movement” y también participaron en el tributo a Black Flag “Black on Black”. 

En 2003,  Jamie Drier dejó la banda y fue reemplazado por Chuck French. Más tarde, grabaron “Up in Them Guts”  que salió en 2004 con No Idea. Ese año entró a tocar el bajo Neil Keener. Estuvieron de gira promocionando el disco y a principios de 2006,  Matt Bellinger, se separó de la banda comenzando nuevos proyectos como Ghost Buffalo y Il Cattivo.  El resto firmaron con Abacus Recordings y sacaron un último disco “Mercy” tras el que se separaron. Volverían en 2010 con O’Donnell, Ricketts, French, y Keener, y sacarían un nuevo trabajo llamado “Prey” en 2016.  

Documento sonoro: 

"Knuckle Hungry" de los Planes Mistaken For Stars 

Nos deja Jessi Zazu de Those Darlings

Jessi Zazu
El 12 de septiembre de 2017 fallecía en un hospital de Nashville, a los 28 años, Jessi Zazu, cantante y guitarrista de Those Darlins, grupo de rock and roll formado en la mencionada ciudad de Tennessee, activo de 2006 a 2016. La joven padecía cáncer cervical. Durante esa década grabaron tres discos en los que se mezcla el country con el rockabilly y el “garage”.

Sus componentes,  Jessi Zazu, (guitarra) Nikki Kvarnes, (guitarra) y Kelley Anderson (bajo) formaron Those Darlins tras coincidir en el Southern Girls Rock & Roll Camp en Murfreesboro, TN. Lanzaron su primer sencillo, "Wild One" en 2008. Poco después, Dan Auerbach de The Black Keys les pidió que fueran las teloneras de su banda con lo que empezaron a ser más conocidas.  Entraron en el estudio con Jeff Curtin de Small Black para grabar su debut. El álbum mezcla los sonidos country y rockabilly. Su primer single del álbum, "Red Light Love", acabaría siendo muy conocido y utilizado en publicidad.  

Those Darlings
Tras presentar ese disco de debut en directo, se incorporó el baterista Linwood Regensburg y el cuarteto entró a grabar en 2011, una vez más con Jeff Curtin como productor, con la colaboración de Ed Rawls como ingeniero de sonido. Su segundo disco “Screws Get Loose” resultó más “garajero”  con single como “Screws Get Loose" y "Be Your Bro".  En febrero de 2012, la banda anunció que Kelley Anderson  dejaba el grupo para seguir con otros proyectos musicales. Eventualmente sería reemplazada por el bajista Adrian Barrera.


Those Darlings 
A principios de 2013, regresaron al estudio para trabajar en su tercer álbum, esta vez grabando en su ciudad natal de Nashville con el productor Roger Moutenot.  Su título es “Blur The Line”. Zazu reveló que sufría cáncer cervical en diciembre de 2016, aunque lo descubrió solo una semana después de que Those Darlins  tocaran el último concierto de su carrera en marzo del mismo año. 

Documento sonoro: 

“Screws Get Loose" de las Those Darlings 




Las Munjitas del Fuzz, del Funtastic a extender el “pecado” del rock and roll con tres sensacionales sencillos iniciales

Las Munjitas del Fuzz. Fotos: Luis Hevia
Las Munjitas del Fuzz son un trío de “garage” que se formaron, en un principio, para actuar en el festival Funtastic  Dracula Carnival de 2016. Un año después ya tienen editados tres singles y están preparando nuevos temas como "Noche de Difuntos" ("All Black and Hairy", de Screaming Lord Sutch). Canciones propias y versiones en las que se manifiesta no solo la experiencia que atesoran sus tres componentes sino su capacidad cautivadora para dar forma a excelentes ideas de rock and roll  con una actitud desbordante. Ellos son tres grandes de nuestra escena: Sor Félix, Sor Varo y Sor Jorge, alter egos de los tres componentes del legendario grupo Dr. Explosion.  El primero de los sencillos fue editado por el sello del mencionado festival, el segundo con el sello italoamericano, I  Shit In The Milk, filial de Sloveny Records, y el tercero con los portugueses Groovie Records. En total seis demoledoras canciones con letras jocosas, ritmos poderosos, guitarras hirientes y esa voz inconfundible. Juntos nos devuelven a una de las bandas más relevantes de la escena “garajera” de nuestro país,  dispuestos a pasarlo bien y a divertirnos con sus múltiples ocurrencias y genialidades que no son pocas.

Trayectoria

Las Munjitas del Fuzz en California 
“Después de años llevando vidas disolutas centradas en el egoísmo personal, estos tres individuos que habían acumulado riqueza y posición bajo el nombre de Doctor Explosion, acaban cayendo en picado en el abismo más oscuro de las drogas y el alcoholismo. Una década entera hormonándose para no perder pelo y una rocambolesca operación de cambio de sexo en Vietnam, donde les estafan hasta el último euro, les lleva a conocer al padre Joaquim en unas convivencias en Garabandal para exfamosos con problemas de autoestima. Con esa experiencia crucial en sus vidas empiezan a cultivar el autocontrol y la espiritualidad, y ya solo tomaran zumos prensados en frio. Un buen día cansados de fracasos amorosos y habiéndolo meditado profundamente, hacen voto de castidad e ingresan en una orden religiosa. Es ahora en 2016 cuando Sor Félix, Sor Varo y Sor Jorge, que han pasado 15 años apartadas de los escenarios, llaman la atención de un promotor de espectáculos que las convence para participar en un certamen en Benidorm…” . 

Las Munjitas del Fuzz en directo.
Así empieza la biografía “autorizada” de tan especial trío, a la que deberíamos añadir, siendo un poco más serios, que sus tres componentes: Jorge Muñoz-Cobo (guitarra y voz), Félix Domínguez (bajo) y Álvaro Coalla (batería), formaron Dr. Explosion en Gijón en 1989.  Su primer Lp “Vivir sin civilizar” lo editaría  Romilar D en 1992, tras el que fichan por Subterfuge y sacan el segundo álbum “El Loco Mundo de los Jóvenes” (1994), grabado en los Toe Rag Studios de Londres.  Les editan el sello francés DIG, y del triunfo a nivel patrio pasan al internacional con conciertos memorables.  Volverían a Londres para su siguiente trabajo  “Aquellos Maravillosos 90: Tributo a Doctor Explosion” (Subterfuge, 1996), pura ironía a los devaneos del mercado discográfico de la época.  Su fama llega hasta las antípodas. Get Hip les promociona con recopilatorio en los Estados Unidos, y en Australia graban un Split con Shutdown 66 editado por Corduroy records.  Después,  Álvaro y Félix deciden dejar la banda tras “Viviendo del Cuento” (Subterfuge, 1999).  Les substituirían  Juan Martínez al bajo, reemplazado por  Ángel Jiménez "Kaplan", y Pablo González “Pibli” a la batería.  Dr. Explosion sigue sacando discos como “Música grabada, Saltos y Cánticos” (Pias 2003), “Chupa aquí” (Boomerang 2009) y “Hablaban con frases hechas” ( Boomerang 2011) en el que sigue capitaneando el proyecto Jorge,  ampliamente conocido también por su labor técnica y musical desde los estudios del Circo Perrotti. Por su parte, Félix organiza el Euroyeye en Gijón y Varo, el Funtastic en Benidorm, dos de los festivales con más solera y prestigio a nivel mundial.

Los sencillos de las Munjitas del Fuzz fueron grabados en los estudios del Circo Perrotti en julio de 2016 en riguroso directo.  El sonido, mezcla, producción, y master corrió a cargo de Jorge Muñoz-Cobo. Las fotografías de las portadas son de Luis Hevia y la maquetación de Marc Argenter.     

Las canciones

Primer 7"
En su primer single editado en 2016 con el sello del Funtastic Dracula Carnival, agotado y reeditado con portada en color verde en lugar del amarillo original, nos ofrecen en una mejilla “Satán sal de mí”, versión del “Don’t tread on me” de Kit Massengill que grabaron en 1967 Kill and the Outlaws como cara B de su single para Blacknight y luego Phillips con “Midnight Our” en la Cara A. Con este  tema protagonizaron las Munjitas del Fuzz un arriesgado videoclip en los incomparables parajes de Salvation Mountain y el Joshua Tree National Park (California), grabados durante su gira por California por Maicol Portela y Nicole Medine con montaje final del director Pedro Temboury.  En la otra mejilla de su primer single se incluye otra versión, “Mala Mujer”, adaptación al castellano del "Bad Girl" de Zakary Thaks,  compuesta por Chris  Gerniottis, John Lopez, Pete Stinson, Rex Gregory, y Stan Moore. Salió en un sencillo en J-Beck y Mercury records en 1966 con “I need you” en su cara B. En ambos temas aportan letra en castellano con tentaciones varias, rezos y condenas entre  ritmos poderosos, riffs hirientes de “garage punk”, algunos momentos solistas y la voz aguerrida principal.  

Segundo 7"
Su segundo sencillo, en vinilo blanco, fue puesto en el mercado discográfico en 2017 por el sello I Shit in The Milk, filial de  Slovenly Recordings. Contiene “Es el 69” en su cara A, fascinante tema “entre el bien y el mal” en el que nos cuentan: “Veo dos hermanas desnudas comiéndose sus ranuras… señor, el sexo de otra hermana aún palpita en mi boca cristiana”.  Otro buen solo de guitarra en su medida justa, más riffs cortantes y una impecable concepción rítmica para este “acto carnal” de infarto. En su cara B nos agasajan con la no menos salvaje “Sor Cassandra” , tema en el que de nuevo vuelven a demostrar, con creces, su dominio endemoniado de los parámetros del “garage punk”, en este caso, tremendamente oscuro. La protagonista es una nueva hermana, “la más piadosa y temerosa del señor, está en gracia de Dios… es ejemplar… Un sople de aire fresco, devota, y que bien plancha, que bien se expresa… cuando hace la genuflexión, se le ve el tatuaje de la cruz con una frase de amor… está en gracia, lo hace todo con gran devoción”.     

Tercer 7"
Por lo que respecta a su tercera entrega, un single para Groovie Records, se incluye en su cara A el tema “Pecado” con un estructura de R&B salvaje y transgresor en el que sus tres intérpretes se  compenetran a la perfección para indicarnos, entre ese ritmo desbocado y una melodía “piadosa”, que “el placer carnal no es verdadero amor… si tu blasfemas o fornicas, le faltas al respecto al señor”.  Y en su cara B, nos contentan en sobremanera con ese “Perro de Convento”, más R&B divertido y bailable que, en esta ocasión, tiene como protagonista a un can “sarnoso y algo cabrón… con malas pulgas” que cuidan las monjas con agua bendita. Habrá que tener cuidado con él porque “si te engancho bien, te acordarás de mi”.  De nuevo nos satisfacen con una hábil guitarra solista, acompañada por unos perseverantes y contundentes bajo y batería.

Reflexión final


Del videoclip de "Satán sal de mí"  
Tras muchos años sin pisar un escenario juntos y sin grabar en comunión canciones de rock and roll, estos tres grandes de nuestra escena han vuelto al candelero con un proyecto hilarante, ataviados de “Munjitas del Fuzz”. Como tales, consiguiendo que lo correcto resulte sorprendentemente irreverente, han editado mediante tres sellos diferentes tres singles en los que sus canciones interpretadas en castellano, ya sean  versiones y temas propios, no solo te invitarán a echarte unas cuantas risas, o en su defecto te procurarán una profunda reflexión intima sobre algunos preceptos religiosos, sino que además van a conseguir que pases varios  momentos memorables bailando al rimo de unos arreglos sencillos a la par que contundentes en la más estricta y sana tradición del “garage punk”. En un mundo que algunos ven anclado en el revival (palabreja por otra parte tan discutible como, al fin y al cabo, prescindible) no resulta nada fácil añadir un nuevo proyecto que se nos antoje, como es el caso, altamente original desde sus formas a sus contenidos. Estar en gracia con el “garage” no es tan fácil amigos y amigas, aunque lo puede parecer, y las Munjitas del Fuzz son, a nuestro modo de ver, tres “nuevas” hermanas ejemplares que lo hacen todo bien con gran devoción.  Alegrémonos por ello, fieles “garajeros” de pro.        

Nota: Puedes encontrar lso singles en varias webs de internet, incluidos los bandcamp de Slovenly y Groovie Records.  Te invitamos a visionar el videoclip de "Satán sal de mí". 

  

martes, 12 de septiembre de 2017

Muere Riem de Wolff de los Blue Diamonds

Riem de Wolff
Riem de Wolff nació el 15 de abril de 1943 en Depok (Java) y falleció el 12 de setiembre de 2017. Formó parte del conocido dúo indo-holandés, de los sesenta, The Blue Diamonds con su hermano Ruud de Wolff nacido el 12 de mayo de 1941 y fallecido el 18 de diciembre de 2000. Se hicieron famosos por su versión del tema “Ramona”.   

Los hermanos De Wolff emigraron su familia de Depok (Java), cerca de Batavia (ahora Yakarta), Indonesia a Driebergen-Rijsenburg en los Países Bajos en 1949. Allí formaron el dúo de rock and roll The Blue Diamonds. Versionaron  muchas canciones de Everly Brothers, pero se hicieron famosos en 1960 con su versión de "Ramona", una canción originalmente escrita para la película de 1928, “Ramona”. 

The Blue Diamonds
La canción fue escrita por L. Wolfe Gilbert, con música de Mabel Wayne, y Dolores del Río, actriz que salía en la película, estuvo con ella durante ocho semanas en el número 1, superando el millón en ventas. La versión de los Blue Diamonds consiguió en la American Billboard Hot 100 llegar al número 72 en 1960. Vendió más de 250.000 copias en los Países Bajos (el primer récord en ventas) y más de un millón de copias en Alemania en 1961.  Grabaron un disco “En español” editado en 1969 con acompañamiento dirigido por Jack Bulterman.  Aunque su último éxito fue en el año 1971, continuaron actuando juntos hasta que Ruud de Wolff murió a finales del año 2000.  Riem de Wolff siguió grabando y actuando. 

Docunento sonoro: 

"Ramona" interpretada por los Blue Diamonds 



Muere Virgil Howe de los Little Barrie

Virgil Howe
Virgil Howe falleció el 11 de septiembre de 2017 por “causas trágicas e inesperadas” según  informaron fuentes cercanas al músico inglés, nacido en 1975, baterista de los Little Barrie, e hijo del miembro de los Yes, Steve Howe. Virgil tenía previsto iniciar una gira de 14 fechas en el Reino Unido con Little Barrie este miércoles 13 de septiembre para presentar el más reciente álbum de la banda, “Death Express” (2017). Yes por su parte también ha cancelado las restantes fechas de su gira. 

Virgil tocó la batería, cantó y tocó los teclados, con su hermano mayor Dylan a la batería, en el álbum de su padre de 1993, “The Grand Scheme of Things”. El trío familiar se unió de nuevo una década más tarde para el álbum “Elements”, acreditado a Steve Howe Remedy. A principios de este mes, la revista Prog informó que Virgil y Steve colaboraban juntos para un álbum instrumental titulado “Nexus”, programado para que saliera al mercado discográfico en  noviembre de este año.
Little Barrie es un power trio de rock/R&B formado en Nottingham, Inglaterra por Barrie Cadogan (voz, guitarra), Lewis Wharton (bajo, coros) y el difunto Virgil Howe (batería, coros). Su primer single "Shrug Off Love" fue lanzado en verano de 2000.  Un año antes Cadogan con Chris Lee a la batería y Miles Newbold grabando y también tocando órgano, dio forma a una demo. Después Cadogan conoció al baterista Wayne Fullwood y comenzaron a escribir juntos como dúo. Tocaron en conciertos antes de trasladarse a Londres en septiembre de 2000, donde conocieron al bajista Lewis Wharton. El trío comenzó a tocar en clubes de Londres a finales de 2000 y sacó dos singles más, "Don't Call It The Truth" / "Give Me A Microphone" en 2001 y "Memories Well" / "Didn't Mean A Thing" en 2002.


Little Barrie
Tras las sesiones en Londres con el productor Edwyn Collins, la banda lanzó su álbum debut, “We Are Little Barrie” en 2005. Seguidamente tocaron por Europa, Japón, Australia y los EE.UU. antes de regresar a finales del verano de 2005 para comenzar a escribir su segundo álbum “Stand Your Ground”, producido por Dan The Automator. Wayne Fullwood dejó la banda durante el período de composición. Billy Skinner se unió al grupo para tocar la batería y el trabajo continuó con Mike "Prince Fatty" Pelanconi como productor. Salió en 2007.  Tras  más giras por Europa, Japón y Australia en 2007, la banda respaldó a Paul Weller en algunos temas de su disco “22 Dreams” (2008).  A finales de 2007, Virgil Howe  reemplazó a Skinner en la batería. Las primeras grabaciones con la nueva alineación fueron en marzo de 2008, cuando con Martin Duffy al teclado  respaldaron a la artista polinesia francesa Mareva Galanter en su álbum “Happy Fiu”.

Virgil Howe
A lo largo de 2009, la banda siguió trabajando en su tercer álbum, “King Of the Waves. King Of The Waves” que salió a finales de 2010 en el Japón y en el Reino Unido y los EE.UU. en el verano de 2011.  En noviembre de ese año, la banda abrió para el cantante de soul de Nueva York Charles Bradley y su banda The Extraordinaires para dos conciertos en España, con el que siguieron compartiendo escenario. Durante 2012, compusieron su nuevo disco “Shadow” que salió el 26 de mayo de 2014 y fue seguido por giras en el Reino Unido, Europa, Japón y los Estados Unidos. Su último disco, “Nexus” ha sido editado este 2017.

Virgil también formó parte de The Killer Meters con Emma Prior, voz; Kerim Gunes, bajo, voz; Nick Hirsch, guitarra, voz; Guy Bennett, teclados, guitarra, voz; y Stephen Wilcock, saxo, voz. Tienen grabados un par de discos:  “A tribute to The Meters” (2004) y “Breakin’Out” (2009).

Documento sonoro:

Los Little Barrie en directo en el estudio.