miércoles, 22 de noviembre de 2017

Fallece el cantante y actor David Cassidy

David Cassidy 
David Bruce Cassidy nació el 12 de abril de 1950 en Nueva York  y falleció el 21 de noviembre en Fort Lauderdale en Florida.  Ídolo de adolescentes, empezó a ser conocido  por su papel de Keith Partridge, hijo de Shirley Partridge, interpretado por su madrastra Shirley Jones, en la comedia musical de los años setenta, The Partridge Family emitida de 1970 a 1974.  En solitario grabó varios discos, con ventas millonarias, hasta la década de los dos mil.  A principios de 2017 anuncuiño que padecía demencia con pérdida de memoria y se retiró de lso escenarios. El 18 de noviembre de 2017, se anunció que Cassidy había sido hospitalizada por insuficiencia hepática y renal. 

Como sus padres, el cantante y actor Jack Cassidy y la actriz Evelyn Ward, viajaban frecuentemente con producciones teatrales, pasó sus primeros años al cuidado de sus abuelos maternos en West Orange, Nueva Jersey. Se divorciaron y en 1956, su padre se casó con la cantante y actriz Shirley Jones. Tuvieron tres hijos: Shaun (1958), Patrick (1962) y Ryan (1966).  En 1968, David se mudó a la casa de su padre Jack Cassidy y Shirley Jones en Irvington, Nueva York, donde también residían sus hermanastros.  

David Cassidy 
David firmó con Universal Studios en 1969 y su padre le puso en contacto con su futura  manager Ruth Aarons, quien había representado a Jack y Shirley Jones durante varios años.  El 2 de enero de 1969, debutó en el musical de Broadway  “The Fig Leaves Are Falling”. Solo se hicieron cuatro funciones pero un director de casting le pidió que hiciera una prueba de pantalla. Ese año se mudó a Los Ángeles y apareció en episodios de varias series de televisión como Ironside, Marcus Welby, M.D., Adam-12, y Bonanza. Al año siguiente hizo de Keith Partridge, hijo de Shirley Partridge, interpretada por su madrastra Shirley Jones.  Convencidos que también podía cantar, consiguió un éxito con “I Think I Love You” y empezó su carrera como músico en solitario con temas como “Cherish”.


Durante la emisión de la serie de 1970 a 1974, grabó diez álbumes en  The Partridge Family y cinco en solitario, consiguiendo cifras millonarias.  La histeria colectiva en sus conciertos provocó numerosos incidentes, incluso mortales.  Continuó  grabando, participando en giras, mientras su fama seguía creciendo, con altibajos siendo “A Touch Of Blue” (2003) su último disco de estudio.

A principios de 2017 anuncuiño que padecía demencia con pérdida de memoria y se retiró de lso escenarios. El 18 de noviembre de 2017, se anunció que Cassidy había sido hospitalizada por insuficiencia hepática y renal. Se le indujo un coma médicamente del que salió dos días más tarde.  Estable, esperaba un hígado disponible para el trasplante.  Finalmente assidy murió el 21 de noviembre de 2017, a la edad de 67 años.



Documento sonoro: 

David Cassidy y "Rock me baby" 


martes, 21 de noviembre de 2017

Fallece la cantante Bonnie Flower

Bonnie Flower
Bonnie Flower murió a la edad de 63 años el 15 de noviembre de 2017. En los sesenta formó el dúo Wendy and Bonnie con su hermana grabando el disco de folk psicodélico "Genesis" en 1969 para Skye Records. El álbum fue producido por el prestigioso músico Gary McFarland que en ese momento era dueño de parte del sello, con lo no menos famosos, el percusionista Cal Tjader y el guitarrista Gábor Szabó. Antes de formar el dúo, estuvieron tocando en la banda psicodélica de San Francisco, The Crystal Fountain.



Wendy and Bonnie
Wendy y Bonnie crecieron en Millbrae, California, en la Bahía de San Francisco. Sus padres, Art y Jeane Flower, eran músicos profesionales. En 1967, Wendy tocó y grabó con una banda psicodélica de San Francisco llamada Crystal Fountain. Bonnie más tarde se unió a la banda como baterista. Al año siguiente, Tjader escuchó algunos de las demos acústicos de las hermanas y organizó una sesión de grabación con Skye. Las hermanas, que eran adolescentes en el momento en que se grabó el álbum, compusieron todas las canciones. McFarland actuó como arreglista en las sesiones. Los músicos que actuaron en el álbum fueron el guitarrista Larry Carlton, al baterista Jim Keltner y al tecladista Mike Melvoin.



Bonnie Flower
Skye se declaró en quiebra poco después del lanzamiento del álbum. En 1971, McFarland fue asesinado en circunstancias misteriosas en un bar de Nueva York. En esa época planificaba grabaciones adicionales con las hermanas Flower.



A principios de la década de los setenta, Wendy y Bonnie aportaron coros en dos álbumes de Cal Tjader para Fantasy Records. A partir de entonces, las hermanas siguieron su carrera separadas sin volver a grabar juntas. "Génesis" fue reeditado en CD en 2001 por Sundazed Records. En 2008, volvió a publicarse con material añadido.


Documento sonoro:


"By the sea", uno de los temas del disco de Wendy and Bonnie, "Genersis" (1969).




Los Royal Podencos consiguen un brillante segundo Lp titulado "Broken Bones" repleto de fortaleza, estilo y elegancia


Portada Digipack
Romper los huesos es una expresión que puede usarse para verbalizar una agresión brutal o para remarcar cómo la fortaleza de ánimo y la entereza pueden convertirla en infructuosa. De ahí advertencias como la siguiente: "palos y piedras podrán romper mis huesos, pero tus palabras nunca lo harán". Sin duda, adquiere una fuerza inusitada cuando se aplica a las relaciones interpersonales, en especial a las amorosas, como es el caso de los Royal Podencos con su flamante segundo álbum titulado precisamente "Broken Bones" editado este 2017 por el sello sueco Fifth Week records. Si escuchamos minuciosamente este brillante compendio de canciones de rock and roll podremos ampliar el espectro significativo de la frase para amoldarla al gran trabajo realizado por esta banda santanderina quienes han logrado encontrar un ámbito creativo propio ciertamente brillante quebrándose muy probablemente no los huesos pero si los sesos. Sus once temas se sostienen sobre un amplio abanico de estilos que van del "garage" sixties al punk setentero pasando por ese powerpop furioso cargado de emotividad a flor de piel. Son 11 temas que resultan cautivadores, construidos con firmeza e imaginación sobre arreglos exquisitos en los que se complementan a la perfección excelentes momentos solistas con andanadas bien compenetradas de una banda en perfecta sintonía.

Trayectoria



Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
Royal Podencos se forman el año 2012 con integrantes curtidos en grupos anteriores como Los Tupper (Santander) o The Gain (Madrid). Ellos son Hans Eguinoa, voz y guitarras (antes The Gain, Madrid 2001-2008); Jota, guitarras y coros (antes Los Tupper y Los Tupperguarros), Toni Arenal al bajo y coros, y Jonatan Santamaria a la batería y coros. Sacan en 2014 un disco lamado "What's Your Plan" con ocho canciones editado por Fifth Week records.

Su segundo trabajo lo saca también este pequeño sello sueco, país por donde precisamente fueron de gira el año pasado con excelentes resultados. Las canciones son de la banda con letras de Hans y arreglos propios. 
Fueron grabadas entre enero y marzo de 2017 en los magníficos Drive Division Estudios de Santander con Alex Pis quien también aporta órgano en el tema "No One’s Giving Up In here" y los arreglos en "Break Us Down". Contaron además con la colaboración de José Sierra con la armónica y coros en "Tell me why" y Eva Gómez-Pallete a los coros en "No one’s giving up in here". El artwork es de Aitor Ochoa quien juega con los símbolos de la muerte y el amor mediante ese esqueleto bailando sobre el corazón entre tonalidades oscuras pero, a la par, cálidas. Las fotos de la banda incluidas en el Cd son de Yngwe Vanhouckle.

Royal Podencos. Foto de su facebook

Las canciones

El disco se abre con "Sexuality", complicada relación amorosa en un tema de guitarras "garajeras" que crujen sin tregua posible, acompañadas por una persistente combinación rítmica. Juntos dan perfecta cobertura a una entregada voz principal respaldada por coros entre detalles de rock and roll agrio y poderoso más secuencias rítmicas de punk. Destaca algún que otro momento solista, sencillo pero efectivo, a cargo de la guitarra. Le sigue "Break us down" que empieza entre besos dulces y el corazón en llamas, y sigue con peticiones de matrimonio, erecciones para acabar con el fuego aún encendido. Un buen resumen de una relación amorosa a ritmo de R&B a base de guitarras a modo del mejor pub rock con excelente melodía entre detalles rítmicos muy solventes. Un tema que te atrapará por sus riffs ingeniosos y esa voz principal que sigue siendo altamente convincente entre algunos detalles de guitarras que engrandecen el tema. 


Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhoucklea
A continuación oímos "The dog you found", una declaración de amor y respeto por ese amigo can "porque un perro de confianza es útil, solo trátalo como deberías, nunca te dejará, incluso si pudiera". Musicalmente nos presentan una maravilla de pop poderoso de guitarras brillantes, voz sensacional, rítmica entregada, y coros de puño en alto. De nuevo, la guitarra nos brinda una ejecución solista que completa la andanada de rock poderoso. "Anything you want" es el título del siguiente corte, y en él nos hablan de amor impetuoso, expresado con determinación entre canciones de los Stooges, Elvis y los Stones. Más powerpop elegante, cargado de movimientos que invitan al baile mientras disfrutas de una melodía fascinante gentileza de una banda muy bien conjuntada. Con "Noone´s giving up in here" llegamos al meridiano del álbum. Se trata de un tema que lucha contra la tristeza, para que no te des por vencido porque el sol brillará en ti mañana, rezando para que esa persona especial regrese, preguntando qué salió mal. Al final encontrarás la salvación, quizá esa persona vuelva y toque el timbre de tu puerta. Un tema introspectivo que musicalizan en formato de balada con una extraordinaria guitarra ácida que teje una segunda voz de acompañamiento para realzar la voz principal quien nos toca el alma con una conmovedora interpretación de esta fabulosa canción. Un solo profundo y emotivo de guitarra emerge de las entrañas para elevar las dosis de pasión, con solemnes aportaciones de pedales de órgano, coros, y sensacionales líneas de bajo. 
     
Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
Mediante "A little creep" regresan los tempos furiosos, muy bien medidos, a juego con las guitarras feroces y la suculenta voz principal que "va recogiendo las piezas de mi corazón roto. Ahora puedes volver a armarlo, es una obra de arte… no hay tiempo para perder, no hay que desmoronarse". Guitarras hirientes, percusión penetrante entre arreglos enérgicos dan vida a un tema de rock and roll que levantará tu ánimo con cambios armónicos y fraseos solistas que enaltecen la melodía. Le sucede "What´s wrong with you", con mensajes frustrados de teléfono cuando las cosas se salen de control y el amor se desvanece logrando que nos hundamos más el fracaso. Más riffs vigorosos para una canción de pop arrebatador que va creciendo para explotar, con todo su colorido, en el estribillo. Un tema que te resultará difícil de olvidar interpretado por una banda en estado de gracia ya sea a nivel instrumental como vocal.
 


Royal Podencos. Foto de su facebook
Nos acercamos al final con "On and on", otra muestra más de su talento creativo a medio camino entre el rock and roll más enternecedor y el pop más salvaje. De nuevo, surgen las relaciones amorosas como inflexión vital. Situaciones complicadas y pasionales que entrelazan la ruptura con la devoción por la persona amada con absorbente crescendo instrumental final. 

Tras este brillante tema, mediante el que consiguen que suba la temperatura corporal del atento oyente, nos deleitamos con la no menos seductora "Let me shake". Una canción en la lograrás encontrarte a ti mismo aunque sea en medio de un huracán y aprovechar las oportunidades que te da la vida o al menos sin malgastarlas, mejorando en tus relaciones amorosas. Musicalmente inciden en esa habilidad de dar forma a canciones de rítmica combativa con sonoridades que transmiten un gran placer. Más riffs sorprendentes bien distribuidos, entre golpes de efecto, y recorridos indómitos de guitarra, bajo y batería más soberbia voz principal, que nos llevan al penúltimo tema del disco titulado "You got a home". Aquí la banda nos regala un tremendo tema de pub rock con los Estados Unidos y su idiosincrasia como principal protagonista. Una canción ágil, deslumbrante y vigorosa con la que, si no lo han hecho ya, van a dejarte completamente anonadado. Se cierra el Cd con "Tell me why" mediante gritos, gemidos y abrazos de amor, sin mirar atrás, en un viaje en camión hasta su casa en Idaho. La última de las excelencias de este gran trabajo discográfico en la que no faltan más guitarras inspiradas combinadas con armónica, entre acordes suculentos, ritmos sureños, y estribillos que te pondrán los pelos de punta mediante detalles instrumentales de gran calidad.

Reflexión final:

 

Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
En la música y letra de las sinceras como impactantes canciones de Royal Podencos se cruzan emociones con realidades cotidianas; momentos impactantes que van de la amistad canina a las oportunidades amorosas pasando por un despliegue de recursos estilísticos que les sitúan, según sea el tema, entre lo mejor del powerpop actual, el punk más conmovedor, o el rock menos previsible y aguerrido. Desde la balada hasta los ritmos más fieros se perciben unas ganas irrefrenables de procurarse un mundo creativo propio que les distinga dentro de la escena del rock and roll, ya sea a nivel estatal como internacional. "Con la voluntad de seguir rockeando" como ellos mismos dicen, esta banda santanderina de expertos músicos "introvertidos, que tocan para sí mismos, a veces peor, a veces mejor, pero siempre caballeros, elegantes, sinceros y muy auténticos" han conseguido un disco que les procura un espacio amplio y enriquecedor que va más allá del panorama regional en el que son conocidos. Parece tarea fácil, pero no lo es en absoluto. Para conseguir canciones tan emocionantes como las que se incluyen en este su segundo trabajo llamado genéricamente "Broken Bones", tienes que estrujarte el cerebro. El resultado no puede ser más placentero. Te aseguro que tras varias como gratificantes escuchas, van a romperte los huesos de tanto que va a bailar sus canciones. 

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y contactar con el grupo para adquirir una copia del Cd. Tocan en directo en la Sala Niágara, Santander, el 8 de diciembre.

lunes, 20 de noviembre de 2017

Muere Warren “Pete” Moore de los Miracles

Warren "Pete" Moore 
Warren “Pete” Moore nació en Detroit (Michigan) el 19 de noviembre de 1939 y falleció el mismo día de 2017 en su 78 cumpleaños en Las Vegas (Nevada). Formó parte los míticos Miracles desde su primera formación a mediados de los cincuenta y siguió hasta 1978 después que Smokey Robinson dejara el grupo, con el cantante principal Billy Griffin, coescribindo el éxito número 1 "Love Machine" y produciendo gran parte de los éxitos del grupo en los setenta. Moore trabajó con otros artistas componiendo muchos temas considerados clásicos de la música soul de todos los tiempos como el “Ooh Baby Baby” para los Miracles, así como para The Tempations, “Since I Lost My Baby” y para Marvin Gaye, “I’ll Be Doggone”.

En 1955 Smokey Robinson creó la primera formación llamada The Five Chimes con su amigo Ronald "Ronnie" White (nacido el 5 de abril de 1939 y fallecido el 26 de agosto de 1995), Warren “Pete” Moore, más Clarence Dawson y James Grice. Poco después cambian el nombre a The Matadors y Clarence más James son substituidos por  Bobby Rogers (nacido el 19 de febrero de 1940 y fallecido el 3 de marzo de 2013) y Emerson "Sonny" Rogers (primo de  Bobby y hermano de Claudette quien se casaría con Smokey en 1959).  Claudette (nacida el 1 de septiembre de 1942) se incorpora a los Miracles en 1958 con Smokey, Ronnie, Pete, y Marv Tarplin (nacido el 13 de junio de 1941 y fallecido el 30 de septiembre de 2011) a la guitarra.  

Miracles, con Pete en el centro 
Con Robinson como cantante principal, The Matadors empezaron a cantar por Detroit y conocieron a Berry Gordy, quien co-escribiría el single "Got a job", a modo de respuesta al éxito “Get a Job” de "The Silhouettes". Fue entonces cuando cambiaron de nombre por el de Miracles y grabaron para End Records y Chess Records. Poco después,  Gordy fundaría Tamla Records, que pasaría a ser la "Motown". Entre Gordy y Robinson se creó una de las relaciones  artísticas más fructíferas e intensas de la historia de la música. En 1961, Robinson se convertiría en el vicepresidente de Motown Records. 

Los Miracles 
Durante la década de los sesenta, los Miracles alcanzaron puestos destacados en las listas con temas como "Shop Around" (1960); "You've Really Got a Hold on Me" (1962); "Mickey's Monkey" (1963); "Ooo Baby Baby" (1965);  "The Tracks of My Tears" (1965); "My Girl Has Gone" (1965); “Going to a Go-Go" (1965); "(Come 'Round Here) I'm The One You Need" (1966); "The Love I Saw in You Was Just a Mirage" (1967); "I Second That Emotion" (1967); "If You Can Want" (1968) y "Baby, Baby Don't Cry" (1969). Durante los setenta sacaron otras canciones destacados como "The Tears of a Clown" (1970); "I Don't Blame You At All" (1971); "Do It Baby" (1974) y "Love Machine – Pt. I"(1976).

Los Miracles, Pete al lado de Smokey Robinson 
En 1969, Robinson les había dicho que quería retirarse para formar una familia y criar a sus dos hijos con Claudette y poder dedicarse a su trabajo en la discográfica, cargo del que renunció en 1988 cuando la Motown fue vendida a la MCA . La última actuación de Robinson con los Miracles fue en Washington en julio de 1972. Tras un año de descanso, iniciaría en 1973 una carrera en solitario. En los Miracles sería substituido por Billy Griffin. Siguieron Ronnie, Pete y Bobby, y en 1973 Donald Griffin reemplazó a Marv.  Ronnie y Bobbie continuaron en los ochenta con los Miracles ayudados por Dave Finley y Carl Cotton hasta el año 1995 en que muere Ronnie. En 2005 volvería a cantar con ellos Claudette.  

Moore obtuvo entre otros méritos, el formar parte del Rock & Roll Hall of Fame, Hollywood Walk of Fame, BMI Songwriters’ Award, y el  R&B Hall of Fame.

Documento sonoro: 


En este vídeo les podemos ver actuando en televisión con el tema de Robinson "You've Really Got A Hold On Me" el 4 de noviembre de 1964.



Fallece Ronnie Butler, el padrino del Bahamian calypso

Ronnie Butler
Ronald "Ronnie" Butler, Sr. nació el 17 de agosto de 1937  en New Providence (Bahamas) y falleció el 19 de noviembre de 2017, Fue un famoso cantante y compositor de calypso,  Rake 'n' Scrape, o Junkanoo Fusion conocido como "El padrino de la música de las Bahamas". Su trayectoria duró más de cinco décadas sacando más de una decena de discos.  Tambiñen grabó algunos temas de soul funk como el demoledor "Peace and Love" de Ed Minnis.

Butler comenzó su carrera en la música a la edad de 16 años. Actuaba en locales de las Bahamas, como Ronnie's Rebel Room, Rum Key, Big Bamboo, The Trade Winds Lounge y Nassau Beach Hotel. Después giró por toda Europa, América del sur y del norte. Entre sus éxitos populares se encuentran temas como “Burma Road”, “Crow Calypso”, “Age Ain’t Nothin’ But A Number”, "Birmania Road", "Crow Calypso" o “Married Man” que aparece en la película "Why Did I Get Married Too?" (2010), de Tyler Perry, que se rodó en Las Bahamas.


Ronnie Butler
Formó una banda llamada Ron Butler And The Ramblers con Carl Rodgers, guitarrista, Charles Dean a la batería, Henry Johnson, al órgano, y Sidney Darling al bajo. En los setenta sacaron discos como “Bahamas Island In The Sun” (1975), “Dear real Ting” (1976) o “Expressions of love” (1978).  En 1997 sacó el disco “Burma Road - The Original”.

En 2003 fue nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico. Es padre del actor Ron Butler, Jr.


Documento sonoro:


Temazo de soul funk grabado en 1975 por Ronnie Butler and The Ramblers


domingo, 19 de noviembre de 2017

Muere el baterista de jazz, Ben Riley

Ben Riley 
Ben Riley nació en Georgia el 17 de julio de 1933 y falleció el 18 de noviembre de 2017. Prestigioso baterista de jazz será recordado principalmente por su trabajo con Thelonious Monk, así como con otros grandes como Alice Coltrane, Stan Getz, Woody Herman, Eddie "Lockjaw" Davis, Ahmad Jamal, Kenny Barron, así como miembro del grupo Sphere de tributo a Monk. Durante los setenta fue miembro del New York Jazz Quartet.

Ben Riley se mudó con su familia a la edad de cuatro años a la ciudad de Nueva York. En  secundaria tocó en la banda de la escuela, y después de la graduación se unió al ejército, donde fue paracaidista, y también tocó con la banda del ejército. Al dejar el ejército en 1954 se instaló en Nueva York, y en 1956 comenzó a tocar jazz profesionalmente.  Tocó con músicos como Randy Weston, Mary Lou Williams, Sonny Rollins, Woody Herman, Stan Getz, Billy Taylor y Johnny Griffin.  Entre sus colaboraciones, la más fue con el pianista Thelonious Monk con el que colaboró durante cuatro años grabando los discos “It's Monk's Time” (1964), “Monk” (1964), “Live at the It Club” (1964), “Straight, No Chaser” (1967) y “Underground” (1968).


Ben Riley 
A principios de los sesenta grabó con Johnny Griffin y Eddie "Lockjaw" Davis varios discos. Durante los sesenta también colaboró con Sonny Rollins, Junior mance, Bennie Green, Alice Coltrane,  entre muchos otros. En los setenta colaboró con Ron Carter y Red Garland,  en los ochenta con Chet Baker, Kenny Burrell y Kenny Barron con el que continuó en los noventa así como con Ricky Ford, entre otros. A su nombre grabó los discos  “Weaver of Dreams” (Joken 1996), “Memories of T” (Concord 2006) y “Grown Folks Music” (Sunnyside 2012).      

Documento sonoro: 

Solo de Ben Riley en 1966. 


Con la banda de Thelonius Monk en Oslo. 




Muere la leyenda del country, Mel Tilllis

Mel Tillis 
Lonnie Melvin "Mel" Tillis nació el 8 de agosto de 1932 en Tampa, Florida, y falleció por problemas respiratorios en el Centro Médico Regional Munroe en Ocala, Florida, la mañana del domingo 19 de noviembre de 2017. Cantante, guitarrista y compositor de country tuvo una larga carrera desde los años cincuenta aunque sus mayores éxitos los conquistó en los setenta.  Triunfó con  canciones como "I Ain't Never", "Good Woman Blues", y "Coca-Cola Cowboy".  En febrero de 2012 el presidente norteamericano Barack Obama le concedió la National Medal of Arts por su contribución a la country music. También fue premiado por la Country Music Association. Su hija es la conocida cantante de country  Pam Tillis.

Mel Tillis 
Se crió en Pahokee, Florida (cerca de West Palm Beach). Su tartamudeo se desarrolló durante su infancia, como resultado de contraer la malaria. Cuando era niño, Tillis aprendió a tocar la batería y la guitarra y, a los 16 años, ganó un concurso local de talentos. Asistió a la Universidad de Florida, pero lo dejó y se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Mientras estaba destinado en Okinawa, formó una banda llamada The Westerners, que tocaba en los clubes nocturnos locales.
Tras dejar la Fuerza Aérea en 1955, Tillis regresó a Florida donde trabajó en varias ocupaciones ocasionales, y finalmente encontró empleo en la compañía del ferrocarril en Tampa, Florida. Usó su pase de ferrocarril para visitar Nashville y finalmente consiguió una audición con Wesley Rose de la famosa editorial de Nashville, Acuff-Rose Music. Rose alentó a Tillis a regresar a Florida y continuar perfeccionando sus habilidades para escribir canciones. Tillis finalmente se mudó a Nashville, Tennessee, y comenzó a escribir canciones, entre ellas  "I'm Tired," que llegó al tercer puesto de las listas de country con  Webb Pierce en 1957. Otros éxitos de Tillis fueron "Honky Tonk Song" y "Tupelo County Jail." Ray Price y Brenda Lee tambien cantaron algunos de sus temas y a finales de los cincuenta firmó un contrato con Columbia Records. En 1958, tuvo su primer Top 40 con "The Violet and a Rose" seguida de "Sawmill" en el Top 25.

Mel Tillis 
Siguió teniendo más éxitos como compositor trabajando para Webb Pierce.  Escribió los hits "I Is not Never" y "Crazy, Wild Desire".  Bobby Bare, Tom Jones ("Detroit City"), Wanda Jackson y Stonewall Jackson también versionaron sus canciones. Tillis continuó grabando por su cuenta. Algunas canciones bien conocidas de su época en Columbia incluyen "The Brooklyn Bridge", "Loco Weed" y "Walk on, Boy". A mediados de la década de los sesenta, Tillis se cambió a Kapp Records, y en 1965, tuvo su primer Top 15 con "Wine". Le siguieron temas como "Stateside" y "Life Turned Her That Way" (que luego fue versionada por Ricky Van Shelton en 1988, pasando al número 1). Escribió para Charley Pride ("The Snakes Crawl At Night") y escribió un gran éxito para Kenny Rogers and The First Edition titulado "Ruby, Do not Take Your Love to Town". También escribió el éxito "Mental Revenge" para Waylon Jennings.  En 1968, Tillis logró su primer Top 10 con "Who's Julie". También fue un cantante destacado en The Porter Waggoner Show.  

Mel Tillis 
Las cosas cambiaron en 1969. Finalmente logró el éxito que siempre quiso con dos  Top 10 en la lista de country:  "These Lonely Hands of Mine" y "She'll Be Hanging Around Somewhere". En 1970, alcanzó el Top 5 con "Heart Over Mind", que llegó al puesto tercero en la lista Hot Country Songs. Después de esto, la carrera de Tillis como cantante de country entró en pleno apogeo con grandes canciones como "Heaven Everyday" (1970), "Commercial Affection" (1970), "Arms of a Fool" (1970), "Take My Hand" (un dúo con Sherry Bryce en 1971), y "Brand New Mister Me" (1971). En 1972, Tillis triunfó por todo lo alto con su versión de su propia canción "I Is not Never". La mayoría de los temas mencionados se grabaron en MGM Records. 

Mel Tillis 
Después del éxito de "I Is not Never", Tillis tuvo otro que se acercó al No. 1 titulado "Neon Rose", seguido de "Sawmill", que alcanzó el No. 2. "Midnight, Me and the Blues "fue otro top-chart en 1974.  Otros hits que Tillis tuvo en MGM fueron "Stomp Them Grapes "(1974),"Memory Maker "(1974)," Woman in the Back of My Mind "( 1975), y su versión de "Mental Revenge" (1976). Sin embargo Tillis logró su mayor triunfo con MCA Records, sello con el que firmó en 1976. Comenzó con un par de dos No. 1 en 1976, "Good Woman Blues" y "Heart Healer".  Gracias a este éxito, en 1976 ganó el premio más codiciado de CMA Awards, “Entertainer of the Year” y también fue incluido en el Nashville Songwriters Hall of Fame ese año. Logró otro número 1 en 1978 con "I Believe In You" y luego en 1979 otro con "Coca-Cola Cowboy", que se incluyó en la película de Clint Eastwood “Every Which Way but Loose” (1978) en la que también hizo una aparición especial. A mediados de 1979, Tillis se cambió a otra compañía discográfica, Elektra Records.


Después de firmar con Elektra, continuó haciendo éxitos como "Blind In Love" y "Lying Time Again", ambos en 1979. Hasta 1981, Tillis se mantuvo en la cima como uno de los cantantes más exitosos de la música country del mundo.  "Southern Rains" en 1981 fue su último éxito número uno. Ese mismo año, lanzó un álbum de dúos con Nancy Sinatra y permaneció con Elektra hasta 1982, antes de volver a MCA por un breve período en 1983. Invirtió en varios negocios, emisoras de radio, discográficas, al tiempo que su fama fue mantuviéndose con menor intensidad. Entró a formar parte del Grand Ole Opry Country Music Hall of Fame en 2007.

Documento sonoro:

Mel Tillis y su número uno "Good Woman Blues" (1976). 





sábado, 18 de noviembre de 2017

Muere Malcolm Young de los AC/DC

Malcolm Young
Malcolm Young nació en Glasgow, Escocia, el 6 de enero de 1953 y falleció el 18 de noviembre de 2017 en Sidney (Australia). Guitarrista, compositor y productor discográfico fue fundador de la popular banda australiana de hard rock, AC/DC en 1973 formando parte hasta 2014, año en el que por problemas de salud abandonó.​  Fue reemplazado por Stevie Young, quien ya había ocupado momentáneamente su lugar en 1988. Con el resto de la formación, fue ​incluido en el Salón de la Fama del Rock en 2003, junto con los demás integrantes de AC/DC.  Malcolm ha escrito la mayoría de las canciones de AC/DC en colaboración con Angus y los vocalistas Bon Scott y Brian Johnson.

Séptimo hijo de un total de ocho en la familia Young, tenía diez años cuando su familia emigró a Australia.  Inspirado por su hermano mayor, el también recientemente fallecido George Young, se interesó por la guitarra desde el colegio. Su madre le regaló su primera guitarra y cuando dejó el colegio trabajo en el mantenimiento de máquinas para una empresa de sostenes. Con su sueldo, consiguió sus ansiadas guitarras.  En 1971, se unió a un grupo australiano llamado Velvet Underground. Tras numerosos cambios de componentes, tuvo una breve trayectoria.  

Malcolm Young
Ya en 1972, George Young y Harry Vanda trabajan juntos en un álbum bajo el seudónimo de "Marcus Hook Roll Band" en los Albert Studios. Emi se interesó y George completó la formación con Malcolm y Angus.  Después formarían AC/DC.  Su primer concierto lo ofrecieron en el Chequers Club de Sídney, el 31 de diciembre de 1973. El resto fueron el cantante Dave Evans substituido por Bon Scott en 1974, el baterista Phil Rudd y el bajista Mark Evans substituido por Cliff Williams en 1977. En 1976  se trasladaron a Inglaterra donde empezaron a cosechar éxitos. Consiguieron un contrato internacional con Atlantic Records y sacaron su aclamado “Highway to hell” (1979). Al año siguiente Scott murió a raíz de una intoxicación por alcohol. Le seguiría su álbum “Back in Black” con la voz solista de Brian Johnson.

Tras el álbum de 1988, “Blow up your Video”, se ausentó por problemas de salud y fue substituido por  su sobrino Stevie Young. Dio su último concierto en el Estadio de San Mamés, el 28 de Junio de 2010. El 16 de abril de 2014 un comunicado de la banda en su página web oficial informaba que Malcolm Young se tomaba un receso temporal debido a problemas en su salud. El 24 de septiembre del mismo año, AC/DC confirma su retirada definitiva. Poco después la familia de Malcolm confirmaba que tenía problemas de salud mental con pérdida de memoria. Su esposa Linda Young tomó la decisión de internarlo en un centro especializado.  Ya sin el baterista Phil Rudd, el vocalista Brian Johnson fue reemplazado por Axl Rose de Guns N’ Roses.  Su bajista Cliff Williams también ha anunciado su retirada.

Malcolm Young
El comunicado de la banda sobre su fallecimiento dice así:


“Hoy, con profunda tristeza, AC / DC tiene que anunciar el fallecimiento de Malcolm Young. Malcolm, junto con Angus, fue el fundador y creador de AC / DC. Con enorme dedicación y compromiso, él fue la fuerza impulsora detrás de la banda. Como guitarrista, compositor y visionario, fue un perfeccionista y un hombre único. Siempre se apegó a sus armas e hizo y dijo exactamente lo que quería. Él se enorgulleció de todo lo que hizo. Su lealtad a los fanáticos fue insuperable. . Como su hermano, es difícil expresar con palabras lo que él ha significado para mí durante mi vida, el vínculo que tuvimos fue único y muy especial. Deja atrás un enorme legado que perdurará para siempre. Malcolm, hiciste un buen trabajo”.​

Documento sonoro: 

AC/DC y "Highway to Hell" con Bon Scott y el tambiñen difunto Malcolm Young

viernes, 17 de noviembre de 2017

Muere el legendario baterista Billy "Stix" Nicks

Billy "Stix" Nicks 
Billy "Stix" Nicks nació con el nombre de William Tyrel Nicks el 8 de diciembre de 1934 en Greenwood, Mississippi, y falleció el 16 de noviembre de 2017.  Autodidacta, formó varios combos de R&B, soul y jazz, desde los cincuenta como The Rhythm Rockers, Billy Nicks Jazz Trio y  The Jr. Walker All Star Band.  Grabó para la Motown y giró con una larga lista  de grandes del soul.   

Los padres de Billy eran aparceros en una gran plantación de algodón y decidieron alejarse del Delta para escapar de las dificultades raciales que asolaban el sur. El padre de Billy, "Wyze", en busca de igualdad y tranquilidad, tenía parientes en South Bend, Indiana, y decidió trasladar a la familia en otoño de 1944. La obsesión de Billy por llevar siempre baquetas de tambor practicando con cualquier cosa le valió el nombre de Billy "Stix" Nicks. Billy, cansado de golpear sillas y libros, finalmente compró un viejo tambor de una tienda de empeño en South Bend, Indiana, con dinero que había ahorrado trabajando para una compañía de máquinas de escribir. 

Billy "Stix" Nicks 
Autodidacta y tras mucha práctica, Billy finalmente consiguió una batería a los 17 años. En  otoño de 1952 empezó a tiocar ocn bandas y una de las primeras fue  Billy "Stix" Nicks  y The Rhythm Rockers se hicieron famosos en  verano de 1954. Billy tocaba la batería y cantaba, Junior Walker (saxofón) y Fred Patton (piano, voz).  Billy se graduó de la escuela secundaria Central, South Bend, Indiana, en primavera de 1954 y tocaba semanalmente con muchos jóvenes artistas prometedores para diversos locales como el Morris Park Country Club. En 1956 fueron contratados para actuar en una fiesta para el Club 46 de la WNDU TV, programa para el que tocó hasta 1957.  Ese año, contrató a Willie Woods para tocar la guitarra y voz para reemplazar a Jr. Walker.  Junior estuvo fuera por tres meses y cuando regresó para unirse nuevamente al grupo, Willie Woods se mantuvo como el guitarrista.

"Stix" en sus inicios 
A mediados de 1957 fue reclutado por el ejército y tocó como percusionista de la banda del ejército en Fort Benning Georgia (3ª División de Infantería), viajando a Würzburg, Alemania, y luego transferido a Stuttgart. Nicks terminó su periodo  militar en 1959 y regresó a su hogar en South Bend. De 1959 a 1962, Nicks colaboró  con su amigo Oscar Baby Jones tocando en su  Jazz Quartet".  En 1962 entró en Jackie Ivory and The Gents of Soul, la primera banda con la que estuvo de gira y grabó el álbum de 1965, "Soul Discovery" (Atco / Atlantic Records). Nicks también tocó y grabó para el prestigioso sello discográfico Motown / Soul con Jr. Walker y The All Stars en el LP de 1965" Roadrunner ", en las canciones " How Sweet Is To Loved By You","Pucker Up Buttercup " y la canción principal "Roadrunner". Desafortunadamente, debido a problemas con la compañía discográfica y la producción, Nicks nunca recibió beneficios por los créditos.


En enero de 1966, Billy Nicks, Jr. Walker, Willie Woods y Victor Thomas (cuatro originales de Jr. Walker and The All Stars) respaldaron a grandes como Wilson Picket, Sam & Dave, Billy Stewart, The Staple Singers, Louis Armstrong, Sammy Davis Jr., The Fifth Dimension, Leontyne Price, James Cleveland, Marvin Gaye, Patti LaBelle and the Bluebells, Major Lance, Chuck Jackson, Gladys Knight and the Pips, The Four Tops, The Isley Brothers, The Five Stairsteps, The Spinners, The Temptations, The Supremes, Dionne Warwick, Dee Dee Warwick, Jerry Butler, Adam West y Frank Gorshen entre muchos otros. 

Billy "Stix" Nicks 
En 1967, Nicks creó su propio trío, Billy Nicks Jazz Trio con el que no estaba de gira con Jr. Walker y The All Stars.  También firmó un contrato con la Universidad de Notre Dame para ser disc jockey de su programa Bill Nicks Radio Show para los WNDU Studios, que resultó ser un éxito colosal. En 1968, obtuvo finalmente beneficios parciales por escribir y tocar "Sweet Daddy Deacon", lanzada por la Motown en 1967 e interpretada por Jr. Walker y The All Stars, en el Lp “Home Cookin”.  De 1968 a 1976, Nicks grabó con Marry Wells y Jr. Walker y los All Stars en Detroit, Michigan y Los Ángeles, California, tocando en numerosos conciertos en los siguientes años. A principios y mediados de los ochenta, Nicks tocó con la leyenda del jazz Sonny Stitt y la leyenda del blues Pinetop Perkins. Desde los setenta hasta muy recientemnete, Nicks fue tocando y girando activamente con sus propios proyectos: The Rhythm Rockers, Billy Nicks Jazz Trio y  los reformados The Jr. Walker All Star Band.  También siguió con su programa de radio y enseñó percusión.  

Documento sonoro: 

Primera grabación de Billy "Stix" Nicks con Jackie Ivory y el disco "Soul Discovery" (1965). 


Fallece Michael “DikMik” Davies de los Hawkwind

DikMik
El 16 de noviembre de 2017 fallecía Michael “DikMik” Davies quien fuera teclista de los Hawkind desde su inicios hasta 1973. Nacido en 1943, en Richmond, Surrey (UK), fue un pionero de la música electrónica con el uso de sintetizadores. Por el momento se desconocen las causas de su fallecimiento. La banda Hawkwind escribió en su página de Facebook: "Estamos muy tristes por hacerle saber que nuestro viejo amigo y compañero de banda DikMik. Será amado y recordado por sus innovadoras contribuciones no solo a Hawkwind, sino a todo un género musical del que fue un importante pionero".

En 1969, Davies y Nik Turner entraron a formar parte de la banda como roadies para el grupo que Dave Brock (voz, guitarra), un amigo de infancia, había formado con el también guitarrista Mick Slattery, el bajista John Harrison más el baterista Terry Ollis.  El grupo original se llamaba Famous Cure.  Antes de su primer concierto ya se hizo cargo de los teclados y Turner del saxo alto más percusión.  Durante una actuación en el All Saints Hall de Notting Hill, Londres, donde tocaron sin nombre, bajo el seudónimo de Group X, un locutor de la BBC Radio 1, John Peel, quedó impresionado por la versión del tema de The Byrds, “Eight miles high”. Tras una entrevista con el organizador Douglas Smith el grupo consiguió un contrato con Liberty Records, y pasó a llamarse Hawkwind.

Hawkwind
Para el debut homónimo de 1970, Slattery había sido reemplazado por Huw Lloyd Langton. Un año después, Davies dejó la banda después de un accidente automovilístico y fue reemplazado por el ingeniero de sonido, Del Dettmar, aunque regresó a tiempo para su segundo disco “X In Search Of Space” (1971).  Cuando el bajista Dave Anderson no apareció para un concierto, entró a formar parte de la banda Lemmy Kilmister. Davies estuvo en el grupo un disco más “Doremi Fasol Latido” (1972) y dejó la banda en 1973.

Documento sonoro: 

Sesión de los Hawkwind para John Peel en 1970.  


Fallece el cantautor Wabi Daněk

Stanislav Jan "Wabi" Daněk nació el 30 de enero de 1947 en Zlín, región de Moravia (por entonces  Checoslovaquia) y falleció el 16 de noviembre de 2017. Guitarrista, cantante y compositor de folk grasbó varios discos de folk country y pop desde los ochenta. Su canción más conocida es “Rosa Na Kolejích” incluida en su primer disco de 1983 aunque fue compuesta en los setenta e interpretada con un grupo llamado Rosa. El tema habla de los sentimientos de un vagabundo.  

Hijo de músicos, trabajo de varios oficios como cerrajero, soldador, empleado de gas licuado y la más larga como conductor de ambulancias. También colaboró ​​con músicos como Miki Ryvola, Captain Kid o Pacific. En los años setenta actuó con Plížák y Vojta Kiďák Tomášek. El apodo de Wabi le viene por el músico Wabiho Ryvoly, cuyas canciones tocó durante su juventud con sus amigos. En 1984 sacó su primer disco “Rosa Na Kolejích (Písničky Wabi Daňka)”. Una de sus canciones más famosas, “Rosa”, la compuso en la década de 1970 y en 1974 ganó el segundo lugar en el popular concurso checo de folk, Porta que se celebra en Svitavy.   

Tocó también con el grupo Roso, que era un acrónimo de su sección de Rover’s Scout.  El texto se inspira en la carta del jefe indio Seattle de la tribu Suwamish dirigida al presidente de los Estados Unidos, Franklin Pierce, como respuesta a la oferta de 1854 para comprarle los territorios que hoy forman el Estado de Washington. Entre otras cosas, el Jefe Indio le dice: “¿Cómo se puede comprar o vender el cielo o el calor de la tierra?. Si nadie puede poseer la frescura del viento ni el fulgor del agua, ¿cómo es posible que usted se proponga comprarlos?.  La canción de Wabi habla de los sentimientos de un vagabundo que descubre el mundo por las estaciones de ferrocarril. Sacó otros discos como “Vítr” (1986), “Pískoviště” ‎(1996), “Valašský Drtivý Styl” ‎(1999),  “Nech Svět, Ať Se Točí Dál” ‎(2002), “A Život Běží Dál” ‎(2009),  “Wabi A Ďáblovo Stádo” ‎(2012) y también con Ďáblovo Stádo, “Příběhy Písní” ‎(2014)

Desde 1985 vivía en Praga. Tuvo cuatro hijos de dos matrimonios.  Debido a problemas de salud, canceló todos los conciertos en el verano de 2017.  Murió el 16 de noviembre de 2017  después de una larga enfermedad. 

Documento sonoro: 

 “Rosa Na Kolejích" de Wabi Daněk




jueves, 16 de noviembre de 2017

Oskar Benas, un artista polifacético con excelentes creaciones de rock instrumental que invitan a la sinestesia

Portada de OBIC
Si en Magic Pop fuéramos estrictamente consecuentes, al menos  profesionalmente, con todo lo que hemos oído y visto sobre la magna obra audiovisual de Oskar Benas,  no escribiríamos  sobre otra cosa en los próximos meses, quizás años. Puede que incluso nos decidiéramos por cambiar directamente el nombre de cabecera del blog para rebautizarnos con el de este artista polifacético, músico e lustrador, de Barakaldo.  La razón de tan justificable entusiasmo estriba en que resulta ciertamente espectacular la cantidad de producción propia, altamente original y revolucionaria, que ha creado en los últimos tiempos este genial músico, compositor e intérprete, también pintor e ilustrador. Desde los años noventa hasta la actualidad, ha dado vida a una infinidad de melodías tan absolutamente sorprendentes e imprevisibles, con arreglos deslumbrantes y tempos de otro mundo,  que, al menos en mi caso, me ha despertado no solo la esperanza de que hay algo sustancial más allá, ya no de ese negocio discográfico tan consumista como mediocre, sino incluso del “underground” de fin de semana que, en algunos casos, ya empieza a cansar con sus verdades supuestamente absolutas. Oskar Benas no es el único pero si uno de los pocos, cada vez menos, maestros verdaderamente humildes capaz de reírse hasta de si mismo. Auténticos dioses del olimpo vanguardista que resisten al margen del mercadeo de ideas y musiquillas. Presiden un altar al que se llega sin necesidad de recurrir a postureos sin sentido, sino simplemente a base de canciones fascinantes como las suyas, locuras si quieres pero altamente enriquecedoras.  Prueba de ello es el nuevo disco que firma como Oskar Benas Instro Combo "Obic”, una de sus tantas genialidades como lo es también la nueva entrega, la décima, de su proyecto Mundssik con el nombre genérico de  “Esfera Púrpura”.  Prepárense porque sus trabajos musicales no son algo insustancial que pueda reseñarse con cuatro adjetivos y algunas frases recurrentes de periodista enrollado que escribe sobre discos en plan colegueo. Su obra es única e intransferible, y como tal voy a reseñarla para aproximarnos, aunque sea un poco, a su inabarcable y fascinante mundo creativo.
             
Trayectoria
Oskar Benas. Foto de su Facebook

Oskar Benas (Barakaldo 1975) es un artista polifacético, gráfico y musical, fundador de numerosas bandas de la escena vasca desde principios de los años noventa como Dickzis, Mongui Infusion, Symbium Pandora, Planeta Enfermo, La Bemba Blanch, Zainax,  así como partícipe y colaborador con otras tantas formaciones en la década de los dosmiles como Ziza Teh, Maumousse, L'Ombre Raya, The Solanos, Fishotz Ruido, Benitt Ash. Fue galardonado como el mejor guitarrista durante la edición del Pop Rock Villa de Bilbao en 2009, al actuar con  su grupo de por entonces Trainsalpine Boys. Además ha formado parte de las bandas de directo de otros grandes como Fermin Muguruza, Maika Makovski o Cabezafuego. En su trayectoria ha creado varios sellos para sacar sus intensos trabajos musicales y gráficos. Desde 2015, Lau Shedu es la denominación que edita sus creaciones.


Oskar Benas con el ruan
Con  los Vampiros del Ritmo graba “Vida Vierte Muda Muerte” en 2012. Le acompañan  David Martínez a la batería, JC  Luque al bajo y Joseba Baleztena a la guitarra, banjo y coros. Ese mismo año graba en directo en el centre Collblanc Torrasa de L'Hospitalet de Llobregat, durante las sesiones Pocket Concerts organizadas por Bad Music 2.0, un híbrido de los Benitt Ash y Los Vampiros del Ritmo.  También en 2012 ve la luz otro trabajo con ilustraciones propias “La gran Isla de Creto” con la colaboración de Tuca Lóbez.  Le sigue un acústico en directo en Mikelazulo (Orereta) el 13 de enero de 2013 donde toca por vez primera varias canciones que aparecerían en las siguientes entregas discográficas.  En 2013 salen “Saffari” y “Paganus” compilado instrumental. Al año siguiente nos ofrece “Zarco”  y “Hereje del Mar” con  grabaciones en diversos locales entre 2012 y 2015. Ya en 2015 y como Oskar Benas  y los herejes Instro Combo sigue sorprendiéndonos con temas instrumentales variados, sensuales  y misteriosos. Con el título de “OBYLHIC”  se grabó durante el verano de 2015 en los estudios Color Hits de Atarrabia, Navarra, producido por el propio Oskar Benas con la ayuda de Íñigo Garcés. Le acompañan Dafnis Leenares al bajo, Leesergio Patxuko a la batería, mientras que Oskar se hace cargo de la guitarra, bajo, banjo, teclado, percusión, y programaciones.  Le siguen en 2016 los discos  “El sendero del volcán con lago”, crónica sonora de una aventura en el núcleo, y “Corazón de serrucho”.

Por lo que respecta a las Series Mundssik, arrancan con sus actuaciones  en vivo con el proyecto audiovisual Kaiula Ikuskizuna (2003 – 2006), una propuesta de música instrumental  de vocación mística con imágenes misteriosas de viajes. Para ello toca un Ruan, que es un instrumento tradicional chino adquirido durante una viaje a Beijing, un banjo con afinaciones especiales, entre otros instrumentos y objetos. Todos los volúmenes de este viaje, que él mismo define como “orgánico, hondo y mutante” se encuentran en descarga totalmente gratuita en la página bandcamp del artista.  

Es necesario también mencionar que Oskar Benas es autor de la banda sonora de numerosos cortometrajes y documentales (“Fractura, la maldicion de los recursos”, “M.O. Lope”, “El Anchoa, el terror de El Pardo”, “Pequeño”, “15 dias en Agosto”, “El Coito te nubla”...), así como de espectáculos de danza y teatro (Mugainditzen, Kaiula Ikuskizuna, Absenta...) y pintura en directo (Cándida, Konvent punt-0, Quim Moya...). 

Dibujo de Oskar Benas
Su trabajo como ilustrador destaca por aportaciones a fanzines (Estrehiato Lisdexio, “Sueño en vigilia”) hasta cartelería y portadas para bandas de rock (Capsula, Maika Makovski, Sex Museum, Guadalupe Plata, Travellin Brothers, Pelomono, Peachy Joke, Cabezafuego, Rubia, Lobo Eléctrico, Patxuko Nice, Lemy River, Boogie Van, El Octavo Árbol, Esne Beltza, Lurra, Sagarroi, Trainsalpine Boys, Kòdul, Emon, Noa Voll Damn & The Hell Drinkers...), entre otras muchas muestras de su talento en la decoración de espacios y murales, sin olvidar su participación en  festivales de autoedición como Tenderete, Pumpk, Ilustrapados y sus aclamadas exposiciones de pintura y dibujo.

De este modo llegamos al disco que queremos presentarte:  “OBIC” (Oscar Benas Instro Combo)  grabado en agosto de 2017 con su principal factótum a la guitarra, bajo, batería, percusión, teclados, programaciones y ruidos varios; Daf Linares al bajo (Lolas Club, The Fans, Patxuko Nice) y Javier Vallejo a la batería y percusiones (Los Nerviosos, Sundance Kiz, Espaguetti).  Actualmente, en su formación se reparten la percusión el mencionado Javi Vallejo y Quique Gallo (Aullido Atómico).

Las canciones de OBIC
 
Oskar Benas y su combo. Foto de su facebook

El disco se abre con “Soc Horror”, y sus guitarras oscuras, percutiendo en los sentidos, acompañadas por efectos espaciales, generando una atmósfera a ritmo de huesos, palmas, en un juego melódico sobre un colchón reconfortante de teclados y pulsación de bajo dando forma a recursos  atmosféricos.  Le sigue “Pericolossus”, otra construcción enigmática de guitarra diseñando fraseos misteriosos, entre acordes aflamencados, golpes de efecto surfer, y variaciones enigmáticas que te hipnotizarán. El siguiente corte es “Carrera Azarosa”, con ritmos de rockabilly desquiciado como base para una guitarra alocada que viaja por el espacio entre sonidos que se nos antojan extraterrestres. Una amalgama de sensaciones  propia de la banda sonora de una película de culto de ciencia ficción.  A continuación nos ofrece “Golpe Swinger”, brillante desparrame de folklore americano con detalles de bluegrass procedentes de la hierba azul pero de otra galaxia, entre divertidos juegos  de percusión que te envolverán mediante caprichosos juegos melódicos y rítmicos.

Ya en el meridiano del álbum, “Azote” es un combinado de esquemas krautrock y rockabilly desbocado logrando una exhibición de habilidades instrumentales compenetradas de forma minuciosa, con solo lisérgico de guitarra embebida de efectos ácidos y cambios sorprendentes procurando concepciones  rítmicas inusuales.  Le sucede “Cuerpos de Inseguridad”, poco más de un minuto y medio para definir este desparrame de genialidades instro, a base de guitarra habilidosa.  Sonoridades recónditas, embebidas de locura infantil, proyectadas hacia un espacio inimaginable, con o sin cojones. De este modo aparece “Ilusión Pasajera”, un tema que arranca introspectivo por el registro bajo de la guitarra al que se incorpora una suculenta sección rítmica bailable y un obsesivo teclado sobre el que la eléctrica, dotada de una perturbadora  forma de gemir,  se entrelaza con efectos electrónicos y secuencias rítmicas muy atractivas.     

Oskar benas y su combo en directo. Foto Marta Gil

Llegados a este punto, cruzamos  el “Puente Rojo”, un espacio sonoro único, trascendental, en el que tempo y melodía avanzan al unísono creando un curioso corte de blues ancestral que transmite,  a la par, un poder ecléctico interestelar.  Órgano, guitarras, bajo, y percusión siguen imperturbables su camino iniciático con una idiosincrasia impactante hasta el final de los días diseñando una canción ciertamente estremecedora.  Vamos finalizando con “Urgerla”, otra exquisitez sin parangón alguno que arranca con batería marcando el paso con extrema seguridad para que se incorpore una poderosa y desafiante guitarra que frasea con determinación entre efectos varios procurando una melodía aguerrida repleta de momentos fieros en los que se explaya con enorme destreza. Una seguridad manifiesta respaldada por un imaginativo bajo y una imperturbable batería. Juntos definen una fase más de este sensacional banda sonora imaginaria que se cierra con “Matahari”, un final de órdago en el que destaca  por su ciclo definido  mediante recursos ágiles entre guitarras ingeniosas más una sección lisérgica solemne y onírica que completa esta amalgama de momentos cautivadores que hemos vivido al detalle  a lo largo de todas y cada una de sus fascinantes canciones.    

Reflexión final

El universo creativo de Oskar Benas va más allá de los confines conocidos y se expande al margen de ámbitos previsibles defendidos equivocadamente por aquellos que se obstinan en afirmar que, en el ámbito vanguardista, los medios técnicos son el único mensaje que nos permite evolucionar. Nada más lejos de ese consumismo insustancial tan consecuente con lo último de lo último, ese panorama mal llamado independiente sobre el que teorizan fantoches imberbes que se creen  semidioses.  En su caso, las canciones se disponen con valores melódicos originales, enraizados en la tradición pero que nos resultan mucho más novedosos que cualquier avance tecnológico por muy revulsivo que pueda parecer. En sus espectaculares temas se suma una visión mística del caos con una experimentación sensual del cosmos. El resultado son auténticas obras de arte que invitan a la sinestesia, en las que la destreza instrumental procrea sensaciones emotivas profundas, pura poesía instrumental que se incorporará con una facilidad y una empatía pasmosa a la banda sonora existencial y cotidiana de cualquier amante de la música que se precie. Su obra, con sus luces y sus sombras, es una fuente inagotable de conocimiento, generadora de emociones y fundamento de relaciones interpersonales imperturbables y eternas.  No hacerle caso se nos antoja  una estupidez propia de estos tiempos mediocres en los que cuenta más el parecerse a que el ser únicos con todas sus consecuencias y riesgos.    

Nota: Puedes disfrutar de su trayectoria escuchando todas sus producciones en el bandcamp. Sigue en facebook sus próximas actuaciones.

martes, 14 de noviembre de 2017

Muere la cantante Janis Hansen de Brasil’66

Janis Hansen
Janis Sue Hansen Klinger nació el 10 de octubre de 1942 en Great Falls (Montana) y falleció el 4 de octubre de 2017 en su casa de Sherman Oaks, (California), después de sufrir mielofibrosis y leucemia mieloide aguda.  Será recordada por cantar  algunos de los mayores éxitos de Sergio Mendes con Brasil’66, entre otras formaciones de pop como Going Thing y Carnival. 

Hansen  creció en el rancho de sus abuelos sin electricidad ni agua corriente en Absarokee, Montana. Hija de músico, mientras estudiaba antropología en la Universidad de Colorado, comenzó a cantar en bandas locales.  Un cazatalentos escuchó su voz y la recomendó para The Andy Williams Show, donde se convirtió en una habitual en la banda del programa. Se unió a Sergio Mendes y su proyecto Brasil '66 donde buscaba una nueva voz para reemplazar a Bibi Vogel. 

Sergio Mendes y Brasil'66
Hansen estuvo con Brasil '66 en dos discos “Equinox”  (1967) y “Look Around” (1968) y se la puede escuchar cantando el tema principal “The Look of Love” (1968). Después se unió al grupo Going Thing, formado por los miembros de Love Generation, los hermanos John y Tom Bahler. Trabajaron para la Ford en convenciones más la grabación de tres álbumes regalados en los concesionarios.  Contaron con vocalistas como Mitch Gordon, Wes Oldaker, Jacie Berry, Susan Teague, y el guitarrista Larry Carlton. 

También formó parte del grupo Carnival con José Soares y el miembro de Murmaid Terry Fischer más el bajista Tommy Neal. Fueron producidos por  Bones Howe (Assiciation, 5th  Dimensión). Grabaron algunos singles sin apenas éxito con los temas "Son of a Preacher Man", Walk On By", más “Laia Ladaia" y "Canto Carnival". Después de que los dos grupos se disolvieran, ella se retiró de la música.

Janis llegó a ser vicepresidenta de RDK Productions y ayudó a desarrollar la serie de libros The Bible Adventure Club. 

Docunento sonoro:

"The Look of Love" de Brasil'66 cantada por Janis Hansen, tema de Burt Bacharach y Hal David